La guía definitiva para exponer correctamente tus fotos ¡Siempre! (Capítulo 3)

Por Antoni Cladera

Contenido

Capítulo 1

  1. 15 respuestas rápidas a 15 preguntas sobre la exposición
  2. Todo empieza con la luz
  3. ¿Qué es la exposición?
  4. ¡Ojo! La exposición está al servicio de tus ideas (no al revés)
  5. Entendiendo el triángulo de exposición
  6. El concepto de paso de luz y sus aplicaciones prácticas
  7. La ley de reciprocidad y ejemplos de aplicación
  8. Qué es el valor de exposición (EV) y para qué sirve
  9. El rango dinámico de la escena frente al de tu cámara

Capítulo 2

  1. Comprueba la exposición, revisa el histograma
  2. Tus aliados (el exposímetro y el fotómetro de mano)
  3. Los modos de medición de la luz de tu cámara
  4. Los modos de exposición de tu cámara
  5. Cómo y cuándo compensar la exposición (±EV)
  6. Cómo y cuándo bloquear la exposición (AEL o AE-L)
  7. Ten cuidado con el exposímetro (lo ve todo en gris al 18%)
  8. Exponer buscando el derecheo del histograma (ETTR)
  9. Cómo exponer paso a paso
  10. Cómo exponer sin exposímetro: las reglas “Sunny f/16” y “Looney f/11”
  11. Cómo exponer con el sistema de zonas de Ansel Adams
  12. Cómo exponer un vídeo

Capítulo 3

  1. Captura con éxito imágenes de alto contraste con filtros
  2. Captura con éxito imágenes de alto contraste con un horquillado
  3. 30 ejemplos prácticos de exposición
  4. Los 12 errores que debes evitar al exponer
  5. 10 fotógrafos alucinantes para inspirarte y aprender a exponer
  6. Ha llegado tu momento...

Capítulo 3

22Captura con éxito imágenes de alto contraste con filtros

¿Cuántas veces has salido de casa al comprobar que el Sol brillaba por todo lo alto, el cielo era completamente azul y has pensado “hoy es un día perfecto para hacer fotos”?

¿Y cuántas veces has vuelto a casa con un montón de fotos malísimas?

La culpa de eso la tiene el enorme contraste que hay entre las luces y las sombras de la escena.

La buena noticia es que hay varias formas de capturar con éxito escenas con alto contraste. En concreto, voy a explicarte dos formas de hacerlo:

  • Usando filtros degradados de densidad neutra GND (esta sección).
  • Usando la técnica del horquillado o HDR (sección 23).

Pero antes de hablar de filtros y de cómo los puedes utilizar, empecemos por el principio...

Qué es una escena de alto contraste (alto rango dinámico)

Una escena de alto contraste es aquella en la que la diferencia de pasos de luz entre el tono más oscuro y el más claro es muy grande. De hecho, la diferencia es tan grande que tu cámara es incapaz de capturar detalle en ambos tonos (subexponiendo el oscuro o sobreexponiendo el claro).

Cuando esto sucede, decimos que el rango dinámico de la escena supera al rango dinámico de la cámara.


Nikon D300Ir | 8mm | f/11 | 1/125s | ISO 200 | 2150K
El rango dinámico de la escena supera al de la cámara. Fíjate en que las sombras han quedado muy oscuras para poder exponer correctamente las luces.

Los ejemplos típicos de escenas de alto contraste son:

  • En fotografía de paisaje, cuando el cielo tiene un tono muy claro y el paisaje es oscuro.


    Nikon D700 | 70mm | f/11 | 1/10s | ISO 200 | 4800K
  • En fotografía de retrato, un contraluz.


    Nikon D700 | 250mm | f/8 | 1/2000s | ISO 200 | 7500K

Ante este tipo de escenas, tendrás que arreglártelas como puedas...

O, dependiendo de la escena a la que te enfrentes, puedes usar una herramienta tremendamente útil: los filtros.

Veamos qué tipos de filtros puedes usar y cómo hacerlo.

Tipos de filtros


Filtros ND y GND.

Te voy a hablar de dos tipos de filtros:

  • Los filtros de densidad neutra (neutral density filter o ND filter en inglés) que limitan la luz de manera uniforme en toda su superficie.
  • Los filtros degradados de densidad neutra (graduated neutral density o GND filter en inglés) que limitan la luz de forma gradual (no uniforme) a lo largo de su superficie. Este tipo de filtros son muy útiles para fotografiar escenas de alto contraste.

Para entender cómo funcionan los filtros degradados (GND), que son los que vas a utilizar para capturar con éxito las escenas de alto contraste, primero hay que entender cómo funcionan los filtros no degradados o uniformes (ND).

Así es que voy a empezar explicándote en detalle los filtros ND.

Los filtros de densidad neutra (ND) y sus aplicaciones

Un filtro de densidad neutra (neutral density filter o ND filter en inglés) es una pieza de cristal o de resina semitransparente que colocas delante del objetivo.

¿Y qué lo convierte en especial?

Pues que el filtro ND te permite reducir la luz que llega al sensor de forma uniforme. Te permite restar luz. Esto te ayuda a capturar determinados efectos sin sobreexponer la escena:

  • Puedes ralentizar la velocidad para crear bonitos efectos sin sobreexponer los tonos más claros. Te permite, por ejemplo, capturar el efecto seda en el mar durante una puesta de Sol.
  • Puedes utilizar aperturas mayores (sin sobreexponer la escena) para capturar una menor profundidad de campo. Es útil, por ejemplo, si quieres separar el sujeto del fondo en un contraluz.

El efecto conseguido depende del número de pasos de luz (sección 6) que sea capaz de restar el filtro utilizado (1, 2, 3 pasos...).

Otra ventaja del filtro de densidad neutra es que resta la luz de forma uniforme. Por lo tanto, no altera ni el contraste ni la nitidez de tu imagen. Tampoco introduce ninguna dominante de color (aunque, desgraciadamente, este no es siempre el caso dependiendo del fabricante del filtro).

Precisamente esta ausencia de dominante de color es lo que le da el adjetivo de “neutra”.

En definitiva, son unas gafas de sol opacas para tu objetivo.

Tipos de filtros ND según su forma

Los filtros tienen dos formatos: circulares de rosca o cuadrados (también llamados de hoja).

Los circulares de rosca no son nada fáciles de usar. Y para colmo, tienen dos inconvenientes:

  • Al tener que encajar en la rosca de tu objetivo tienen un diámetro concreto, por lo que son difícilmente intercambiables entre un objetivo y otro.
  • Cuando quieres aplicar varios filtros, el hecho de colocar unos encima de otros produce viñeteo (un oscurecimiento que se produce en las esquinas de la foto).

Por estos motivos te recomiendo que utilices los filtros cuadrados o de hoja.

En este caso, necesitas un buen portafiltros para utilizarlos. Yo utilizo uno de Lucroit.

Un portafiltros es una estructura, generalmente de resina, que enganchas a tu objetivo por medio de un anillo adaptador y que te permite encajar el filtro de hoja que deseas.


Mi portafiltros Lucroit colocado en mi objetivo

Las dos ventajas de utilizar estos filtros son las siguientes:

  • Al no ser circulares, ni depender de un tamaño concreto, son perfectamente intercambiables. Por lo tanto, puedes usar los mismos filtros con distintos objetivos.
  • El portafiltros dispone de varias ranuras que te permiten utilizar varios filtros al mismo tiempo. No se produce viñeteo.
Tipos de filtros ND según su densidad

La misión de los filtros es bloquear una parte de la luz que entra a través del diafragma hasta el sensor. Y para que tengas el control absoluto sobre la luz que quieres “restar”, las marcas comerciales ofrecen toda una gama de filtros de diferentes densidades.

Aquí tienes algunos ejemplos de filtros, según su densidad o capacidad reductora.

PasosReducción de luzDensidadTransmisión de luz %
1ND20.350%
2ND40.625%
3ND80.912,5%
4ND161.26,25%
5ND321.53,125%
6ND641.81,563%
7ND1282.10,781%
8ND2562.40,391%
8 2/3ND4002.60,25%
9ND5122.70,195%
10ND1024/ND10003.00,098%

Así, un filtro ND2 reduce en 1 paso la luz que llega al sensor. Un ND4 2 pasos, un ND8 3 pasos y un ND400 entre 8 y 9 pasos, y así sucesivamente.

Recuerda que por cada paso de luz que reduzcas la exposición, el sensor captura la mitad de luz (sección 6).

Por tanto, un filtro deja pasar solamente 1/2potencia de la luz inicial. En este caso, “potencia” es el número de pasos que resta el filtro.

Por ejemplo, un filtro de densidad neutra de 3 pasos sólo deja pasar 1/8 de la luz que llega a tu objetivo:

1/23 = 1/(2×2×2) = 1/8

Según la luz que quieras restar, elige un filtro más o menos denso.

Qué filtros ND comprar

Estos son los filtros de densidad neutra (ND) que tengo en mi arsenal. Los tengo en dos tamaños, dependiendo del sensor de la cámara que vaya a usar.

  • De 100x100mm (ideales para sensores Micro 4/3 o APS-C) tengo:
    • Un filtro de la marca Lucroit de 6 pasos (ND64 o ND1.8).
    • Un filtro de la marca Lucroit de 10 pasos (ND1000 o ND3.0).
    • Un filtro de la marca Haida de 6 pasos (ND64 o ND1.8).
  • De 165x165mm (ideales para sensores de formato completo) tengo:
    • Un filtro de la marca Lucroit de 6 pasos (ND64 o ND1.8).
    • Un filtro de la marca Hitech Firecrest de 16 pasos (ND64000 o ND4.8).

Veamos algunos ejemplos de aplicación del uso de filtros ND.

Cómo capturar con éxito largas exposiciones

Nikon D4s | 14mm | f/16 | 10s | ISO 400 | 7500K | Filtro ND64 (6 pasos) y GND 0.6 inverso (2 pasos)

El uso de filtros ND te permite ralentizar la velocidad para enseñar de forma artística el movimiento que se produce en la escena. Esto lo consigues sin reventar las altas luces (los tonos más claros).

Puedes suavizar el movimiento del agua (efecto seda), enseñar el movimiento de la hierba mientras la mece el viento o incluso sacar imágenes fantasmagóricas de gente moviéndose.

Si al fijar la velocidad que necesitas para conseguir un determinado efecto, la foto queda sobreexpuesta o te ves obligado a cerrar muchísimo el diafragma, aprovecha el poder de los filtros ND.

“Pero Toni, ¿por qué no puedo cerrar la apertura hasta f/22 o incluso más?”

Porque al utilizar una apertura tan cerrada corres un riesgo alto de pérdida de nitidez a causa de la difracción.

Utiliza un filtro ND y no tendrás que cerrar tanto el diafragma. Así desaparece el riesgo de difracción.

La clave está en experimentar. En probar, equivocarte, probar, equivocarte y volver a probar.

Cómo conseguir poca profundidad de campo

Nikon D700 | 85mm | f/1.7 (escala ½ paso) | 1/500s | ISO 200 | 5700K | Filtro ND8 (3 pasos)

Aunque los filtros ND se utilizan generalmente para capturar largas exposiciones, también puedes usarlos cuando quieras usar aperturas mayores. Así podrás conseguir una menor profundidad de campo en situaciones de mucha luz.

Por ejemplo, la velocidad de obturación máxima de muchas cámaras es de 1/4000s. Esto significa que si quieres fotografiar un sujeto iluminado por el Sol, utilizando un ISO 100, podrás abrir el diafragma como mucho a f/2.8 para que quede expuesto correctamente.

Si quieres abrir más el diafragma para conseguir una profundidad de campo menor y separar totalmente a tu sujeto del fondo, tu sujeto no te quedará bien expuesto, ya que no podrás utilizar velocidades superiores a 1/4000s.

En este caso, puedes utilizar por ejemplo un filtro ND de 2 pasos para reducir la luz, lo que te permitirá abrir el diafragma 2 pasos hasta f/1.4 (siempre y cuando tu objetivo te lo permita) manteniendo la exposición pero consiguiendo una menor profundidad de campo.

En definitiva, los filtros ND te permiten utilizar una mayor apertura y una menor velocidad para conseguir efectos que serían imposibles de conseguir sin sobreexponer la foto.

En otras palabras, al aplicar un filtro ND, consigues reducir la luz que llega al sensor de forma uniforme. En contrapartida, puedes aumentar la apertura y/o reducir la velocidad y seguir manteniendo la exposición correcta.

Bueno, ahora que ya sabes qué es un filtro de densidad neutra, para qué sirve y qué puedes conseguir con él, vamos con la parte más interesante… ¡Cómo usarlo!

Cómo exponer cuando usas un filtro ND

Primero, haz una foto que exponga correctamente el área de la escena que quieres sin usar el filtro.

Después, fija el valor de la apertura o velocidad que necesites para obtener el efecto que buscas.

Por último, utiliza la ley de reciprocidad para calcular qué filtro necesitas para mantener la exposición.

Con este filtro puedes utilizar el valor de la apertura o de la velocidad que te dé el efecto que buscas y, al mismo tiempo, mantener la exposición correcta.

Los pasos que debes seguir son:

  • Haz una foto de prueba sin filtro:
  • Decide el valor de la apertura o la velocidad que necesitas utilizar para conseguir el efecto que deseas. Para ello, puedes consultar las tablas de la sección 4.
  • Calcula qué filtro necesitas para mantener la exposición correcta. Para ello puedes utilizar la calculadora de exposición de PhotoPills. Averigua el número de pasos de luz en que se incrementa la exposición al utilizar la nueva velocidad de obturación (o apertura) con respecto a la foto de prueba.
  • Imagina que has incrementado la exposición en 2 pasos de luz (+2EV). En ese caso, debes utilizar un filtro ND de 2 pasos para compensar el efecto y mantener la exposición.
  • Selecciona los valores del triángulo de exposición de la fotografía que tienes en mente.
  • Enfoca y encuadra la escena.
  • Enrosca la anilla adaptadora a tu objetivo, acopla el portafiltros a la anilla e inserta el filtro (o los filtros) calculado(s).
  • Dispara y disfruta.

Veamos un ejemplo.

Imagina que tienes ante ti un paisaje de costa y quieres que en la foto el mar aparezca con un efecto seda y las nubes den sensación de movimiento.

Para ello, utiliza el modo de exposición Manual (M), mide la luz en el tono clave, en este caso el tono más claro del cielo, y ajusta los valores del triángulo de exposición hasta conseguir una exposición correcta.

Supongamos que fijas un apertura de f/11 para obtener una profundidad de campo adecuada, un ISO de 100 para no tener ruido en la foto y un tiempo de exposición de 1/125s para exponer correctamente la foto.


Nikon D4s | 110mm | f/11 | 1/125s | ISO 100 | 5800K

Enseguida te das cuenta de que una velocidad de 1/125s no te permite capturar el efecto seda en el agua. Necesitas usar una velocidad más lenta, pero no deseas cerrar más la apertura. Así que la única alternativa que tienes es utilizar un filtro ND.

¿Pero qué velocidad necesitas?

Consultando la tabla de la sección 4, deduces que necesitas una velocidad más lenta que 1s para lograr el efecto seda.

Cuanto más lenta sea la velocidad, más sedosa quedará el agua.

En este caso, la manera más práctica de ver qué velocidades puedes usar con los filtros que tienes a tu disposición es utilizar la calculadora de exposición de PhotoPills.

Así que abre PhotoPills, y en la calculadora de exposición establece que el parámetro que quieres calcular es la “velocidad de obturación”. Seguidamente, introduce los ajustes que has utilizado en la foto de prueba: f/11, 1/125s e ISO 100 (“Ajustes de prueba” en la primera captura de pantalla que tienes un par de párrafos más abajo).

Después, introduce los parámetros de la foto objetivo (“Ajustes equivalentes”): son los mismos valores de apertura f/11 e ISO 100. A continuación, ajusta los pasos del filtro ND hasta obtener una velocidad que te permita obtener el efecto deseado.

Por ejemplo, en la segunda captura de pantalla, estás utilizando un filtro de 3 pasos que te permite poder exponer durante 1/15s. Es una velocidad insuficiente todavía.


Calculadora de exposición de PhotoPills - Ajustes de prueba.

Calculadora de exposición de PhotoPills - Ajustes equivalentes con un filtro ND de 3 pasos.

Probando otros filtros, puedes ir viendo cómo se ralentiza la velocidad. Por ejemplo, si utilizas un filtro de 10 pasos, puedes exponer durante 8s. Así refuerzas el efecto seda en el agua (segunda captura de pantalla).


Calculadora de exposición de PhotoPills - Con un filtro de 6 pasos puedes exponer durante 0,5s.

Calculadora de exposición de PhotoPills - Con un filtro de 10 pasos, la velocidad de obturación es de 8s.

En la práctica, lo mejor que puedes hacer es ir sacando fotos con distintos filtros ND y sus respectivas velocidades, para luego decidir qué velocidad te da el aspecto del agua que estás buscando.


Nikon D4s | 110mm | f/11 | 8s | ISO 100 | 5800K | Filtro ND1000 (10 pasos)

Ahora que ya sabes qué es un filtro, volvamos al objetivo de esta sección: fotografiar con éxito escenas de alto contraste.

Esto nos lleva a otro tipo de filtros, los filtros degradados de densidad neutra (GND).

Los filtros degradados de densidad neutra (GND) y sus aplicaciones

Un filtro degradado de densidad neutra (graduated neutral density o GND filter en inglés) es una pieza de cristal o de resina que puedes colocar delante de tu objetivo.

Pero, a diferencia de los filtros ND, la densidad de estos filtros varía gradualmente en su superficie (no son uniformes).

Para qué se utilizan

Al restar la luz, los filtros GND no lo hacen de forma uniforme en toda superficie, sino que la restan de forma gradual. Hay zonas que restan más luz que otras. Esto te permite decidir sobre qué zona del encuadre quieres restar más luz (o menos).

Cuando colocas la zona más densa (que resta más luz) sobre la zona de altas luces del encuadre, tu cámara es capaz capturar correctamente una escena de alto contraste. Es decir, sin tener que modificar el triángulo de exposición.


Nikon D4s | 110mm | f/11 | 1/60s | ISO 100 | 5850K | Filtro GND suave 0.9 (3 pasos)

Se llaman filtros degradados de densidad neutra porque:

  • Restan la luz de forma gradual. La densidad varía gradualmente.
  • Primero, esta variación gradual va de transparente a un tono neutral gris.
  • Después, la densidad de este gris aumenta gradualmente, restando cada vez más luz.

En definitiva, son unas gafas de sol para tu objetivo cuyos cristales tienen un tinte progresivo.

Aunque algunos fotógrafos consideran los filtros como una herramienta artificial que altera la realidad, lo cierto es que un filtro degradado de densidad neutra te ayuda a conseguir justamente lo contrario: captar una foto que se acerca mucho a lo que tus ojos ven.

Este tipo de filtro te permite modificar dos aspectos de una fotografía:

  1. El rango dinámico. Te permite captar escenas cuyo nivel de luminosidad supera las capacidades de tu cámara. Este el aspecto más conocido de este filtro.

  2. El contraste local. Aunque un filtro degradado de densidad neutra generalmente reduce el contraste entre las zonas extremadamente oscuras y claras de la escena, el contraste de cada una de estas zonas aumenta.

    Esto se debe a que el filtro acerca los tonos extremos a los tonos medios, que es donde la curva tonal de tu cámara tiene más contraste (y dónde tus ojos son más sensibles a diferencias tonales).

    Por lo tanto, el detalle y el color de la imagen mejoran. Esta es quizá la ventaja que muchos fotógrafos desconocen (¡y que ahora tú ya sabes!), pero que produce grandes mejoras en la imagen final.

Incluso los podrías utilizar en escenas en las que el rango dinámico de la escena no supera al de tu cámara. Por ejemplo, te pueden servir para acentuar la definición de las nubes, o para oscurecerlas y que tengan más presencia con respecto al resto de elementos.

En realidad, como verás más adelante, sus aplicaciones son (casi) infinitas.

Pero primero veamos los diferentes filtros GND que existen en el mercado.

Tipos de filtros degradados según su forma

Como sucede con los filtros ND, existen filtros GND circulares de rosca y rectangulares (o de hoja). Los filtros rectangulares son los más cómodos y versátiles.

Tipos de filtros degradados según su densidad

Recuerda que la misión de los filtros GND es evitar que llegue más luz al sensor de la que quieres. Por lo que, dependiendo de la cantidad de luz que quieras restar, debes elegir un filtro de una densidad u otra.

Los filtros que habitualmente se utilizan son los que restan 2, 3 y 4 pasos de luz. En el cuadro siguiente tienes la nomenclatura en función de la marca de filtros.

PasosReducción de luzDensidad
1ND20.3 ND
2ND40.6 ND
3ND80.9 ND
4ND161.2 ND
5 ND32 1.5 ND 
Tipos de filtros degradados según la transición

No todos los filtros tienen la misma transición desde la parte más oscura hasta la parte más clara o transparente.

La transición puede ser dura o suave.


Filtro duro - Filtro suave

En los filtros de transición dura la separación entre la parte oscura y la transparente la marca una línea.

Utiliza estos filtros cuando la escena tenga un horizonte limpio (cuando no haya elementos por encima del horizonte). O cuando exista una línea recta evidente que separe los tonos claros de los oscuros en la escena.

En cambio, en los filtros de transición suave la transición es tan gradual que casi no se aprecia cuando pasa de la parte oscura a la transparente.

Estos filtros te vienen muy bien cuando tienes elementos por encima del horizonte. O sea, cuando la separación entre los tonos más claros y los más oscuros no está marcada por una línea recta.

Por desgracia, las diferentes marcas de filtros no se ponen de acuerdo en unos valores de degradado estándar, es decir, lo rápido que el filtro pasa de oscuro a claro. Por lo que el degradado puede variar considerablemente entre una marca y otra.

Qué filtros GND comprar

Estos son los filtros graduados de densidad neutra (GND) que tengo en mi arsenal. Los tengo en dos tamaños, dependiendo del sensor de la cámara que vaya a usar.

  • De 100x150mm (ideales para sensores Micro 4/3 o APS-C) tengo:
    • Un filtro GND de la marca Hitech de 3 pasos (ND8 o ND0.9).
    • Un filtro GND inverso de la marca Lucroit de 2 pasos (ND4 o ND0.6).
    • Un filtro GND inverso de la marca Hitech de 3 pasos (ND8 o 0.9).
  • De 165x185mm (ideales para sensores de formato completo) tengo:
    • Un filtro GND de la marca Lucroit de 3 pasos (ND8 o ND0.9).
    • Un filtro GND inverso de la marca Hitech de 3 pasos (ND8 o 0.9).

Veamos ahora cómo es aconsejable que elijas la densidad de tus filtros degradados.

Cómo escoger la densidad de filtro adecuada

Con los filtros degradados, la pregunta clave es:

“¿Qué densidad necesito?”

Para determinar la densidad del filtro que necesitas (los pasos de luz que resta), debes calcular la diferencia de pasos de luz que hay entre la zona más clara y la más oscura de la escena.

¡Vamos a calcularlo!

Imagina que quieres utilizar un filtro degradado para capturar el paisaje de mar que ves en la siguiente foto. En este caso, usas un filtro de transición suave porque no tienes un horizonte limpio.

Cuando tengas un horizonte limpio puedes utilizar:

  • Un filtro de transición suave igualmente.
  • Un filtro de transición dura.
  • Un filtro inverso de transición suave. Un filtro inverso tiene la zona central más oscura y va degradándose hacia la parte superior. La parte inferior es prácticamente translúcida.

Nikon D4s | 18mm | f/16 | 6s | ISO 100 | 5850K

Coge la cámara y selecciona el modo de medición de luz puntual.

Ahora, mide la luz en el cielo y determina la exposición para que el exposímetro esté centrado en el cero (5 ⅓ EV). Seguidamente, mide la luz en las rocas y determina otra vez la exposición (7 ⅓ EV).

¿Cómo puedes calcular los valores de exposición (EV)?

Simplemente introduce el valor de la apertura, tiempo de exposición e ISO en la calculadora de exposición de PhotoPills y obtendrás automáticamente el EV.


Calculadora de exposición de PhotoPills - Calculando el EV ( 7 ⅓) en base al tono del cielo y los parámetros de disparo (f/11 | 1,6s | ISO 100).

Calculadora de exposición de PhotoPills - Calculando el EV (5 ⅓) en base al tono de las rocas y los parámetros de disparo (f/11 | 6s | ISO 100).

La diferencia de exposiciones (5 ⅓ - 7 ⅓ = 2) te indica los pasos de luz que hay entre ambas zonas. O lo que es lo mismo, te indica la densidad del filtro que debes utilizar para igualar la exposición para esa escena en concreto.


Nikon D4s | 18mm | f/16 | 6s | ISO 100 | 5850K | Filtro GND suave 0.6 (2 pasos)

Sin embargo, según mi experiencia, te aconsejo que uses un filtro de una intensidad algo menor si quieres conseguir un efecto lo más natural posible.

Veamos otro ejemplo.

Supón que estás utilizando el modo de disparo de Prioridad a la Apertura (A o Av) y el exposímetro de tu cámara estima, para exponer correctamente, una velocidad de 1/100s para el cielo (fondo) y de 1/25s para el suelo (primer plano).

Teniendo en cuenta la escala de la velocidad de obturación, deduces que entre 1/100s y 1/25s hay dos pasos de luz. O sea, que el primer plano necesita cuatro veces más luz para quedar correctamente expuesto (exposímetro centrado en el cero).

1/100 > 1/80 > 1/60 > 1/50 > 1/40 > 1/30 > 1/25

En este caso, te recomiendo usar un filtro degradado con una densidad de dos pasos (o incluso algo menor).

En la práctica, en cuanto empieces a usar los filtros, cada vez te resultará más fácil decidir qué filtro utilizar para conseguir la foto que persigues.

Cómo utilizar un filtro degradado

Imagina que estás en la costa. Tienes enfrente el mar y, relativamente cerca, una fantástica roca.

Aunque tus ojos te dejen disfrutar de toda la belleza de la escena, tu cámara no es capaz de exponerla correctamente. Haz la prueba y verás que tienes que decidir entre exponer el cielo o el primer plano.


Nikon D4s | 110mm | f/11 | 1/125s | ISO 100 | 5850K

En la primera foto, el cielo aparece expuesto correctamente pero, en cambio, el primer plano aparece muy oscuro (subexpuesto).


Nikon D4s | 110mm | f/11 | 1/15s | ISO 100 | 5850K

Mientras que en la segunda, el primer plano aparece expuesto correctamente (con detalle), pero el cielo queda demasiado claro (sobreexpuesto).

En conclusión, debes utilizar un filtro degradado de densidad neutra.

Entonces, ¿qué filtro debes utilizar y cómo?

Antes de ponerte a jugar con los diferentes filtros, debes decidir tres parámetros: densidad, transición y posición.

Primero, debes determinar la densidad del filtro que necesitas en función del número de pasos de luz que haya entre la zona más clara y más oscura de la escena. Para calcular la densidad del filtro, sigue los pasos de la sección anterior.

Para la escena de la roca, la diferencia de exposición entre el cielo y el primer plano es de 3 pasos (1/125s → 1/60s → 1/30s → 1/15s). Así que utiliza un filtro degradado de 3 pasos.

En segundo lugar, deberás decidir el tipo de transición del filtro (dura o suave) en función de si los tonos claros y oscuros están separados por una línea o no.

Cuando tienes un horizonte limpio (no hay elementos por encima del horizonte), puedes utilizar un filtro de transición dura. En caso contrario, un filtro con transición suave te va a ayudar a que su efecto sea más sutil con respecto a esos elementos que sobresalen por encima del horizonte.

En cualquier caso, yo siempre recomiendo que uses filtros con transición suave. Son más versátiles y además así tienes que cargar con menos equipo. ¡Tu espalda te lo agradecerá!

Siguiendo con el ejemplo, está claro que la escena no tiene un horizonte limpio, hay rocas sobresaliendo por encima de él. Así que deberás utilizar un filtro de transición suave.

La transición del filtro también se ve afectada por la distancia focal, la apertura seleccionada y el tamaño de sensor.

Debido al efecto “zoom”, la transición en un superteleobjetivo (focales por encima de 200mm) se ve mucho más suave comparado con un objetivo gran angular (focales por debajo de los 24mm).

Además, a mayor apertura más difuminado se ve el degradado, a consecuencia de la menor profundidad de campo.

También tienes que tener en cuenta el tamaño del sensor. Un mismo filtro degradado, puede servir en una cámara de formato completo y no hacerlo, por ejemplo, en una cámara de formato un Micro 4/3 porque el área de degradado es demasiado grande con respecto al tamaño del sensor. Antes de comprar un filtro averigua si sirven para tu cámara.

Finalmente, con respecto a la posición del filtro, la clave está en dónde colocar la zona de transición de claro a oscuro.

A pesar de que la zona de transición se ve con más o menos claridad cuando miras a través del filtro (antes de colocarlo delante del objetivo), la posición en la que tienes que colocarlo con respecto al objetivo es mucho menos obvia cuando miras a través del visor.

Normalmente, consigues la posición óptima del filtro colocando la zona de transición de tal forma que coincida con el horizonte de la foto (o línea que separa los tonos claros de los oscuros). Sin embargo, es probable que consigas resultados más realistas colocándolo ligeramente por debajo.

Si colocas el filtro en la posición equivocada, por ejemplo, con la zona de transición demasiado alta con respecto al horizonte, te saldrá una franja clara muy molesta justo por encima del horizonte.


Nikon D4s | 18mm | f/16 | 1/3s | ISO 100 | 6250K | Filtro GND 0.9 duro (3 pasos)

Si lo colocas demasiado bajo, puede que tu fondo o los elementos del primer plano aparezcan demasiado oscuros. Ten especial cuidado con aquellos elementos que estén por encima del horizonte como árboles, rocas o montañas.


Nikon D4s | 18mm | f/16 | 1/3s | ISO 100 | 6250K | Filtro GND 0.9 duro (3 pasos)

Pero sobre todo... ¡No tengas miedo a probar, equivocarte y ser creativo!


Nikon D4s | 18mm | f/16 | 1/3s | ISO 100 | 6250K | Filtro GND 0.9 duro (3 pasos)
El problema de los filtros degradados y sus dominantes

Quizá el principal problema que presenta un filtro degradado de densidad neutra es que te limita a la hora de componer.

¿Por qué?

Porque aquellos elementos que estén por encima del horizonte pueden aparecen en la imagen final más oscuros que el resto de la escena.

Este problema se puede solucionar con un programa de edición como Photoshop. Pero para ello debes saber utilizar, por ejemplo, las máscaras de luminosidad.

No obstante, lo ideal es que, en la medida de lo posible, evites tener que recurrir a herramientas adicionales que te obliguen a estar más horas delante del ordenador que haciendo fotos.

Ya casi hemos terminado con esta sección. Sólo me falta comentarte un par de cosas más avanzadas que espero que te sirvan.

El filtro degradado inverso

El filtro degradado inverso no es más que una variación del filtro degradado.

Su peculiaridad es que la parte más oscura, la que determina la densidad del filtro, se encuentra en la parte central, y se va aclarando progresivamente hacia la parte superior. Por el contrario, la mitad inferior es completamente transparente (para no restar luz en el primer plano).

De ahí su calificativo de inverso.

Se usa sobre todo para fotografiar salidas y puestas de Sol a contraluz con el horizonte limpio (sin elementos por encima).

Al tener el Sol en el horizonte (ya sea dentro o fuera del encuadre, como en el ejemplo que he puesto abajo), la parte central de la imágen es la más luminosa, por lo que es donde deberás restar más luz. En cambio, la parte superior de la imagen no necesitará una densidad de filtro tan alta.


Nikon D4s | 18mm | f/16 | 2min | ISO100 | 7500K | Filtro ND64 (6 pasos) y GND 0.6 inverso (2 pasos)

Estos son los filtros graduados inversos de densidad neutra (GND) que tengo en mi arsenal. Los tengo en dos tamaños, dependiendo del sensor de la cámara que vaya a usar.

  • De 100x150mm (ideales para sensores Micro 4/3 o APS-C) tengo:
    • Un filtro GND inverso de la marca Lucroit de 2 pasos (ND4 o ND0.6).
    • Un filtro GND inverso de la marca Hitech de 3 pasos (ND8 o ND0.9).
  • De 165x185mm (ideales para sensores de formato completo) tengo un filtro GND inverso de la marca Hitech de 3 pasos (ND8 o ND0.9).
Mueve el filtro degradado durante la exposición

A veces puede ser interesante mover el filtro mientras la cámara está haciendo la foto. Esto te permite ir ajustando la cantidad de luz que restas en cada parte de la escena. También te ayuda a evitar que quede marcada en la foto la línea de transición entre tonos oscuros y claros.

Pero te aviso de antemano: no es nada fácil de realizar. Es muy difícil controlar cómo va a quedar la foto final y requiere de mucha práctica.

Si tienes interés en practicar esta técnica, te sugiero que le eches un vistazo a “El uso de los filtros en movimiento”, un artículo de mi amigo José B. Ruiz en el que lo explica con todo lujo de detalles.

23Captura con éxito imágenes de alto contraste con un horquillado

El horquillado (o bracketing en inglés) consiste en hacer una serie de fotografías de diferentes exposiciones de manera que, al fusionarlas con un programa de edición (Lightroom, Photoshop, etc.), obtengas una fotografía con detalle tanto en las sombras como en las luces.

O lo que es lo mismo, con la técnica del horquillado, puedes generar una imagen de alto rango dinámico (high dynamic range o HDR en inglés) en la que cabe el rango dinámico de la escena.


Nikon D4s | 28mm | f/5.6 | 1/800s, 1/200s, 1/50s | ISO 100 | 6500K

Foto resultante del horquillado

Esta técnica te permite estirar artificialmente el limitado rango dinámico de tu cámara para poder acceder a un nuevo mundo de posibilidades. Un mundo al que antes no podías llegar como consecuencia de las limitaciones de tu cámara.

Por desgracia, tienes que pagar un pequeño precio. Al ampliar el rango dinámico capturado, inevitablemente se producirá una reducción del contraste en determinados tonos. Para evitarlo, siempre puedes ajustar el contraste durante la edición.

Otro de los grandes inconvenientes del horquillado es que todos los elementos de tu escena deben estar estáticos ya que cada toma debe ser idéntica a las demás, exceptuando en lo que se refiere a la exposición.

Cuándo se utiliza el horquillado

En mi opinión, lo ideal es que emplees la técnica del horquillado únicamente cuando un filtro degradado de densidad neutra no te permita captar el alto rango dinámico de la escena.

Si puedes utilizar un filtro, puedes capturar la escena en una sola foto y, además, mantienes el contraste por zonas.

Los filtros son ideales para aquellas escenas en las que los tonos oscuros y los claros están separados por una línea recta, como por ejemplo sucede con los paisajes que incluyen el horizonte.

En cambio, en escenas con una distribución de los tonos más compleja, como la de las fotografías siguientes, utiliza la técnica del horquillado.


Nikon D4s | 20mm | f/8 | 10s (foto subexpuesta), 86s (foto sobreexpuesta) | ISO 200 | 9100K

La escena que se ve en las fotografías contiene tres zonas tonales delimitadas por las transiciones bruscas que se producen en sus bordes: el mar, las rocas y el cielo.

Necesitarías un filtro personalizado para poder captar esta escena en una sola exposición.

Sin embargo, si estuvieras allí viendo la escena tú mismo, serías capaz de apreciar detalle en las tres zonas porque tus ojos se acostumbran fácilmente a la diferencia de iluminación.

En este caso, para capturar una imagen parecida a lo que ven tus ojos, deberás utilizar la técnica del horquillado.

Cómo hacer un horquillado

¡Está chupado!

Utiliza un buen trípode

Te recomiendo utilizar un buen trípode y una buen rótula, aunque también puedes utilizar esta técnica a mano alzada (si tienes buen pulso). En este caso yo utilizo una velocidad alta y el modo de disparo en ráfaga activado.

En cuanto al trípode...

¿Cuán robusto debe ser?

Lo suficiente para aguantar el peso de tu cámara y tu objetivo. La idea es que sea un soporte muy estable incluso en condiciones de viento o cuando quieras meterte en el agua, en la orilla de un río o del mar. Yo utilizo el Gitzo 4542 Systematic junto con la rótula Kirk Enterprise BH-1.

Tienes que hacer varias tomas de la misma escena con diferentes exposiciones. Así que es esencial que el encuadre sea siempre el mismo. ¡Tu cámara no puede moverse!

Sí, ya sé que tanto Lightroom como Photoshop incluyen herramientas muy potentes que son capaces de superponer y alinear fotos que tengan una ligera desviación. Pero cuanto menor sea esa desviación, mucho mejor. Y si no hay desviación, ¡genial!

Haz al menos 3 exposiciones (o las que hagan falta)

Asegúrate de hacer 3 tomas como mínimo, aunque yo prefiero hacer 5 para maximizar la exactitud.

Un mayor número de tomas te permite obtener una distribución tonal más equilibrada durante el revelado y procesado.

Veamos cómo se traduce esto usando el ejemplo anterior. En este caso, he realizado 3 tomas.


Nikon D4s | 20mm | f/8 | 10s (-1EV), 20s (0EV), 40s (+1EV) | ISO 200 | 9100K

Al exponer, es muy importante que:

  • La toma más clara no tenga las altas luces reventadas.
  • La toma más oscura no tenga los negros empastados, ni ruido en las zonas más oscuras.

La diferencia de exposición entre cada toma varía según el gusto de cada fotógrafo, pero a mí me gusta que sea de un paso, idealmente variando la velocidad de obturación (y dejando constantes la apertura y el ISO).

Recuerda que cada paso implica doblar (+1 paso) o dividir por dos (-1 paso) la luz que capturada por el sensor.

-2 pasos (-2EV) < -1 paso (-1EV) < 0 < +1 paso (+1EV) < +2 pasos (+2EV)

TRUCOS

  • Puedes usar el horquillado para reducir el ruido en las sombras. Aunque tu escena no sea de alto contraste, al reducir el ruido en las sombras tu foto final mejora.
  • ¿Te has fijado que la mayoría de las imágenes presentan más ruido en las sombras que en las luces? Puedes evitarlo fácilmente combinando una toma correctamente expuesta sobre una toma ligeramente sobreexpuesta.
Fusiona las tomas con un programa de edición (exposure blending)

Una vez en casa, ponte delante del ordenador y sigue los pasos que te enseña Antonio J. Prado en el siguiente vídeo para fusionar las tomas en Photoshop: Introducción al blending de imágenes usando máscaras de luminosidad.

2430 ejemplos prácticos de exposición

A mí me encanta la teoría, pero reconozco que como mejor se aprende es viendo ejemplos y practicando.

Así que no se me ocurre mejor forma de ayudarte a asimilar los conocimientos de este artículo que mostrándote multitud de ejemplos con fotos reales, fotos que he hecho yo mismo.

Estúdialos con cariño y te convertirás en Exposición-man... ¡El superhéroe de la exposición!


En mis días de mayor inspiración, me pongo mi camiseta de Exposición-man y me doy una vueltecita en un Porsche 911 Carrera... (Bromas aparte, ¡el Porsche no es mío!)

Bueno, a lo mejor estoy exagerando un poco. Pero lo que sí te prometo es que aprenderás a exponer.

Mi meta es que aprendas la lógica y el flujo de decisiones que me llevaron a capturar tanto el efecto como la exposición que quería. De esta forma no habrá escena que se te resista.

¡A ataque!

Fotografía de Vía Láctea (1)


Nikon D4s | 24mm | f/2.8 | 30s | ISO 6400 | 3050K

Cuando fotografías la Vía Láctea, tu objetivo es capturar las estrellas como grandes puntos brillantes durante el tiempo de exposición.

Esto implica que, por un lado, te interesa utilizar una velocidad de obturación lenta. A menor velocidad, más brillantes y grandes serán las estrellas.

Pero, como aprenderás en la guía sobre cómo fotografiar rastros de estrellas, la rotación de la Tierra causa que a partir de una determinada velocidad límite las estrellas no queden como puntos en la foto, sino como trazos.

¿Y cuál es esa velocidad límite?

La respuesta te la da la regla NPF o la regla de los 500.

Para usar la regla de los 500 simplemente divide 500 por la focal efectiva (focal × factor de recorte) que utilices y obtendrás la velocidad máxima (más lenta) que te permitirá evitar los rastros de estrellas. Es muy fácil de calcular pero tiene el inconveniente de que falla en las cámaras modernas con muchos megapíxeles.

La regla NPF es más exacta, pero más complicada. Tiene en cuenta la medida de los píxeles de la cámara, la apertura, la distancia focal y la declinación de las estrellas. Para calcularla puedes utilizar la calculadora de estrellas como puntos de PhotoPills. ¡Puedes hacerlo incluso con la Realidad Aumentada!

Normalmente, la velocidad máxima es inferior a los 35s. Y teniendo en cuenta las condiciones de poca luz (es de noche), debes utilizar la mayor apertura que te permita tu objetivo (f/2.8, f/4…) para capturar la máxima cantidad de luz.

Recuerda que cuanto mayor sea apertura, más luz y más estrellas capturarás.

Al utilizar una focal corta (14-35mm) para capturar la mayor parte del paisaje y del cielo, y una apertura grande para capturar el máximo de luz, puedes maximizar la profundidad de campo enfocando a la distancia hiperfocal.

Finalmente, elige el valor del ISO que te dé una foto correctamente expuesta. Lo normal es que uses ISOs elevados (800, 1600, 3200, etc.), así es que presta mucha atención al ruido que se genere.

Por tanto, fija primero la apertura y la velocidad para obtener la foto que deseas. Después, haz varias fotografías de prueba y revisa el histograma para ajustar el ISO que te dé la exposición correcta.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (mejor de formato completo), objetivo gran angular, intervalómetro, trípode y rótula robustos, linternas, LEDs y sistemas anti humedad (echa un vistazo al equipo para fotografiar la Vía Láctea).
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen de tu objetivo si tiene esta función.
  • Focal: Distancia focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: No puedes medir la luz porque no hay. Determina la exposición haciendo fotos de prueba y revisando el histograma para comprobar que es la adecuada.
  • Apertura: La mayor que te permita tu objetivo (f/2.8 es genial). Necesitas capturar la máxima luz posible durante el tiempo de exposición. Recuerda que una apertura grande te permite capturar más estrellas, y que sean más grandes y más luminosas.
  • Velocidad: La máxima posible pero evitando los rastros de estrellas. Calcúlala con la regla NPF, la regla de los 500 o con PhotoPills. Normalmente por debajo de los 30-35s.
  • ISO: Utiliza el mayor ISO posible (1600, 3200, 6400) con el que tu cámara no produzca demasiado ruido. Al igual que en la apertura, necesitas un ISO alto para capturar más luz.
  • Balance de blancos: Manual. Empieza con 3900K si no hay contaminación lumínica o 3400K si la hay, y después ve ajustando según el resultado. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Iluminación: Ilumina el primer plano si es necesario. Si te atreves, puedes utilizar la luz de la Luna como sistema de iluminación. Planifica tu sesión fotográfica para que esa noche la Luna tenga poca elevación y aporte luz de forma lateral a la escena.
  • Haz la foto, revisa que todo esté enfocado y con la iluminación que quieres. En caso contrario, vuelve a enfocar a la hiperfocal y/o rectifica la iluminación.
  • Asegúrate de que la foto está correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta el ISO en consecuencia.

Si quieres hacer fotos espectaculares de la Vía Láctea, encontrarás todos los secretos en nuestra guía “Cómo hacer fotos contagiosas de la Vía Láctea”.

Fotografía de fauna salvaje congelando el movimiento (2)


Nikon D700 | 500mm | f/5.6 | 1/1500s | ISO 800 | 5700K

Cuando estás fotografiando fauna salvaje, las posibilidades de poder acercarte a tu sujeto son mínimas. Por lo tanto, vas a tener que utilizar un superteleobjetivo (300-600mm).

¿Y qué sucede cuando usas un teleobjetivo (focales largas)?

Pues que la profundidad de campo que obtienes en la foto es muy reducida. Por lo que puedes verte tentado de cerrar la apertura para aumentar la profundidad de campo.

Pero la realidad es que no podrás utilizar aperturas pequeñas.

¿Por qué?

La culpa la tiene la rápida velocidad (por debajo de 1/1000s) que debes utilizar para congelar el movimiento del animal (o animales).

Al utilizar una velocidad rápida, tienes que utilizar aperturas mayores e ISOs elevados (e incluso añadir luz con un teleflash) para que el sensor capture la luz adecuada para obtener una exposición correcta.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: En cuanto a la cámara, depende del tipo de fauna. Generalmente recomiendo cámaras APS-C o Micro 4/3, pero en esta foto utilicé una de formato completo. Necesitas un superteleobjetivo, un trípode y una rótula (idealmente tipo gimbal) robustos. Al utilizar una rótula tipo gimbal consigues fluidez y seguridad en tus movimientos.
  • Configuración cámara: En RAW. Activa la función de estabilización de imagen si tu objetivo la incorpora.
  • Focal: Una focal larga para acercar al máximo el sujeto.
  • Modo de exposición: Prioridad a la Apertura (A o Av).
  • Modo de medición: Modo de medición puntual enfocando centrado en el ave y luego reencuadrando. En cualquier caso, evalúa la luz y selecciona los parámetros teniendo en cuenta el fondo de la imagen. Si el ave está a “contracielo” compensa la exposición 1 paso (+1EV) para asegurar una buena exposición. Siempre dependerá del color del ave. Si es blanca el factor corrector tiene que ser mayor. Si es negra, apenas tienes que compensar la exposición.
  • Modo de enfoque: Para aves en vuelo, utiliza el modo de enfoque continuo (AF-C), con prioridad al disparo. De esta manera consigues tener al ave enfocada en todo momento. Todo resulta más sencillo si empiezas a enfocar cuando el ave aún está lejos.
  • Apertura: Una apertura grande para poder utilizar una velocidad rápida.
  • Velocidad: 1/1000s o superior si quieres congelar el vuelo. Si, por el contrario, quieres añadir movimiento, redúcela hasta 1/500s más o menos para dejar las alas movidas y dar una sensación de velocidad en el individuo.
  • ISO: Empieza con un ISO bajo y súbelo en función de las condiciones de luz en las que te encuentres. Lo más importante es que conozcas los límites de tu cámara. Vale más que abandones y vuelvas otro día cuando las condiciones sean mejores que desmoralizarte por los resultados obtenidos.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca en los ojos del ave. De esta manera conseguirás que toda la cabeza esté en foco. En esta ocasión, estaba dentro de un escondite (hide en inglés) por lo que podía trabajar a la altura del ave, y conseguir así una toma más atractiva visualmente.
  • En este tipo de fotografía (y en todos, sinceramente) es muy cómodo tener el disparo disociado del enfoque. Así, enfocas con el botón trasero de bloqueo de la exposición (AEL o AE-L) y sólo utilizas el disparador para hacer la foto.
  • Haz la foto, revisa que todo esté enfocado y con la iluminación que quieres. En caso contrario y siempre que puedas volver a hacer la foto, compensa la exposición y asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma).
  • Conseguirás mejores resultados evitando las horas centrales del día. La mejor hora es al amanecer o atardecer, donde la luz cálida da un toque especial al resultado final.
  • Como habrás supuesto, en este tipo de fotografía el disparo en ráfaga es crucial. Activa el modo de disparo en ráfaga (y si puedes elegir la velocidad de la ráfaga, que sea alta (High en inglés).

Cuando mencioné el tipo de cámara lo hice por algo...

En esta fotografía en concreto, cuando esperaba en el escondite (hide en inglés) tenía preparada una APS-C, un duplicador 1,4x y un 500mm fijo. Cuando vi que el ave seguía acercándose, algo fuera de lo normal, quité rápidamente el duplicador.

Pero intuía que el ave no se alejaría, sino que se acercaría más. El problema es que si esto era así, mi ASP-C sólo me iba a permitir capturar un simple retrato y no el ave entera. Así que cambié rápidamente el cuerpo y monté una cámara de formato completo (full frame en inglés).

El resultado está a la vista. Si hubiera tardado un par de segundos más o el ave se llega a acercar un poco más cerca no hubiera conseguido que entrase en el encuadre.

Ese día tuve mucha suerte.

Fotografía de Luna de larga distancia (3)


Nikon D700 | 500mm | f/4.8 | 1/30s | ISO 1600 | Temperatura “luz de día” 

La fotografía de Luna de larga distancia requiere una gran estabilidad y una distancia focal larga. Tienes que utilizar un superteleobjetivo (entre 300mm y 600mm, por ejemplo).

¿Y qué sucede cuando usas un superteleobjetivo?

Como en la fotografía de fauna, la profundidad de campo que obtienes en la foto es muy reducida y además tienes el problema de la estabilización del equipo.

Los parámetros de este tipo de fotografía no difieren mucho de la anterior, exceptuando la velocidad. Aquí puedes llegar a velocidades de pocos segundos sin que la Luna te salga movida en el fotograma.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Recomiendo una cámara APS-C o Micro 4/3 para aprovechar el factor de recorte. Trípode, teleobjetivo e intervalómetro.
  • Configuración cámara: En RAW. Activa la función de estabilización de imagen si tu objetivo la incorpora.
  • Focal: Una focal larga, a partir de 300mm. Mejor si está estabilizada.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo de medición puntual.
  • Apertura: f/5.6 y f/8 con las que cierras el diafragma hacia el punto dulce del objetivo y obtienes una imagen nítida. El punto dulce de tu objetivo es el número f en que el objetivo te ofrece la máxima nitidez a la vez que reduce las distorsiones y las aberraciones cromáticas. Encontrarás este punto cerrando 1 o 2 pasos la apertura más abierta.
  • Velocidad: Adáptate a la luz existente, teniendo en cuenta que puedes usar una velocidad de hasta 2s sin que la Luna quede movida.
  • ISO: El mínimo posible, teniendo en cuenta que el tiempo máximo de exposición que puedes usar es de 2s la Luna no aparezca movida. Si el exposímetro no está centrado en el cero, sube el ISO paulatinamente, siempre dentro de los límites de ruido que genere tu cámara.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca al elemento que quieres destacar en primer plano. Si la distancia es lo suficientemente larga, la Luna quedará enfocada también. Por ejemplo, con una cámara de formato completo (full frame en inglés) y usando una distancia focal de 500mm y una apertura de f/5.6, la distancia hiperfocal es de 1.473m (la puedes calcular con la calculadora de profundidad de campo de PhotoPills). Si el elemento está a esa distancia (o superior) consigues enfoque a infinito.
  • En este tipo de fotografía la estabilización del equipo es imprescindible. Utiliza un trípode y una bolsita llena de piedras (bean bag en inglés) dependiendo de la superficie y el viento. Necesitas un disparador remoto o un intervalómetro para disparar con garantías de éxito. ¡Hay que evitar las vibraciones a toda costa!
  • Haz la foto, revisa que todo esté enfocado y con la iluminación y contraste que buscas. En caso contrario, compensa la exposición y asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). La Luna llena sólo sale una vez al mes, comprueba los resultados ampliando la imagen resultante.
  • Un truco interesante en este tipo de fotografía es levantar de espejo. Aunque la cámara esté sobre un trípode el peso del cuerpo más el del objetivo puede jugarte una mala pasada. Para saber cómo levantar (o bloquear) el espejo de tu cámara te recomiendo que consultes el manual de instrucciones y veas dónde está la opción dentro de los menús. Este truco, lógicamente, no vale en las cámaras sin espejo... :P

Esta foto es única por el resultado inesperado. Recordando a Cartier-Bresson y su momento decisivo, éste lo fue realmente.

Es la única imagen en la que las dos chicas (que venían de fiesta y están desenfocadas) se apartaron de la línea imaginaria entre mi cámara y la amazona.

Fue una verdadera suerte conseguir esta imagen ya que, aunque no era su intención, las dos chicas completan el encuadre de la amazona y la Luna.

Tienes infinidad de posibilidades a la hora de hacer fotos con la Luna.

Si quieres aprender el arte de contar historias con la Luna, y aprender a planificar cualquier foto que imagines, te recomiendo eches un vistazo a nuestro artículo “7 trucos para que la próxima Superluna brille en tus fotos”.

Fotografía de siluetas de Luna (4)


Nikon D7100 | 500mm | f/8 | 1/200s | ISO 400 | 5400K

El contraste que se crea al resaltar una silueta con la luz brillante de la Luna hace de este tipo de fotografía una cuna interminable de ideas. Utilizando la Luna como escenario tienes todo un libro de historias.

Es, de nuevo, un tipo de fotografía que necesita el uso de un superteleobjetivo (300-600mm).

La silueta no es más que el resultado de exponer para la luz de la Luna, eligiendo el color y la textura de la Luna frente a la luz ambiente. Si expones para esta última, la Luna te quedaría sobreexpuesta y sin detalle.

Normalmente hago este tipo de fotografías durante el crepúsculo náutico (cuando el Sol está por debajo de los -6 grados de elevación), aunque también se pueden hacer en el tramo final de la hora azul. Entender la luz natural en cada momento del día te ayuda a saber qué tipo de fotos puedes hacer.

Al utilizar una velocidad rápida para capturar la Luna, puedes incluir en tu encuadre un sinfín de elementos. Como puedes ver en la imagen, puedes incluso congelar el vuelo de una cometa.

Y si te atreves, puedes ir un paso más allá y grabar un vídeo utilizando las siluetas de Luna para contar una historia. En este artículo te enseñamos cómo crear vídeos sorprendentes con siluetas de Luna.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Recomiendo una cámara APS-C o Micro 4/3 para aprovechar el factor de recorte. Trípode, superteleobjetivo e intervalómetro.
  • Configuración cámara: En RAW. Activa la función de estabilización de imagen si tu objetivo la incorpora.
  • Focal: Una focal larga, a partir de 300mm. Mejor si está estabilizada.
  • Distancia de disparo: El tamaño de la Luna con respecto al sujeto depende sólo de la distancia de disparo. Para calcular la distancia de disparo usa esta fórmula: 100 × diámetro de la Luna en metros. Por ejemplo, si la barraca de piedra tiene una base de 10m de ancho y una altura de 7m, una Luna de 10m de diámetro te viene fenomenal. Así que para tener una luna de 10m, necesitas colocarte a 1000m (100 × 10 metros). ¡Así de fácil! Nosotros la llamamos la “regla de los 100”. :)
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo de medición puntual porque prima la exposición correcta de la Luna. Como el cielo está oscuro, si usas otro sistema de medición, el fotómetro puede confundirse, produciendo una imagen con la Luna sin detalle.
  • Apertura: Para lograr bastante detalle y nitidez te recomiendo que utilices aperturas intermedias, usando f/8 como punto de partida. Pero si utilizas un superteleobjetivo luminoso, empiezas a tener suficiente detalle a partir de f/5.6.
  • Velocidad: Si la velocidad es muy lenta la Luna y los protagonistas salen movidos. Te recomiendo que uses una velocidad en torno a 1/250s para conseguir congelar el movimiento de las personas. Aunque va en contra de la regla entre la distancia focal y la velocidad mínima, el caso de la Luna es diferente.
  • ISO: Es preferible empezar con el ISO base (el más bajo) de tu cámara e ir subiéndolo a medida que la velocidad sea menor de 1/125s. A veces es preferible subir un paso el ISO que abrir el diafragma, para controlar la profundidad de campo o la nitidez general de la imagen. Recuerda que debes conocer los límites de sensibilidad de tu cámara (ruido).
  • Balance de blancos: Manual. Depende del momento de la captura. Vas a hacer esta imagen antes de que salga el Sol o después de que se haya puesto. Por tanto, una temperatura cálida puede reforzar el color anaranjado de la Luna siempre que tu composición incluya la Luna cerca del horizonte. Por el contrario, cuando la Luna está bastante alta, selecciona una temperatura de 4000K aproximadamente si quieres mantener una temperatura que esté equilibrada con su color natural. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca al elemento que quieres destacar en primer plano. Si la distancia es lo suficientemente larga, la Luna quedará enfocada también. Por ejemplo, con una cámara de formato completo (full frame en inglés) usando una distancia focal de 500mm y una apertura de f/5.6, la distancia hiperfocal es de 1.473m (la puedes calcular con la calculadora de profundidad de campo de PhotoPills). Si el elemento está a esa distancia o superior consigues que todo en el encuadre esté enfocado a infinito. En este caso estaba a unos 1.500 metros de la barraca, por lo que la Luna sale enfocada. La sensación de desenfoque de la Luna no es más que el efecto de la atmósfera cercana a la superfície de la Tierra que enturbia la visión cuando la Luna está a una altura tan baja.
  • En este tipo de fotografía la estabilización del equipo es imprescindible. Utiliza un trípode y una bolsita llena de piedras (bean bag en inglés) dependiendo de la superficie y el viento. Necesitas un disparador remoto o un intervalómetro para disparar sin mover nada. ¡Evita las vibraciones como sea!
  • Haz la foto, revisa que todo esté enfocado y con la iluminación y contraste que buscas. En caso contrario, compensa la exposición y asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). La Luna no te espera: verás lo rápido que avanza a lo largo de tu encuadre.

Como se puede apreciar en esta imagen, quise añadir la sensación de movimiento con la incorporación de una cometa. El rápido paso de la Luna casi deja sin salir en escena a la persona que sujeta la cometa.

Fotografía de la superficie de la Luna (5)


Nikon D7100 | 500mm | f/8 | 1/250s | 400 ISO | 6700K | Multiplicador 1,4x

Es relativamente fácil de hacer una foto a la superficie de la Luna ya que, al no contener ningún elemento más, sólo tienes que centrarte en exponer correctamente un sujeto.

Requiere una gran estabilidad y una focal larga. Por lo tanto, tienes que utilizar un superteleobjetivo (300-600mm).

No fotografíes la Luna únicamente cuando esté llena. Las fases anteriores o posteriores acentúan el contraste de los cráteres y puedes observar con más detalle el volumen de la superficie lunar.

En este caso aproveché para incluir a Marte (ese punto diminuto que está a la izquierda) en el encuadre junto con la Luna creciente.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Recomiendo una cámara APS-C o Micro 4/3, para aprovechar el factor de recorte. Trípode, superteleobjetivo e intervalómetro.
  • Configuración cámara: En RAW. Activa la función de estabilización de imagen si tu objetivo la incorpora.
  • Focal: Una focal larga, a partir de 300mm. Mejor si está estabilizada.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo de medición puntual.
  • Apertura: Entre f/5.6 y f/8 con las que estás cerrando el objetivo hacia su punto dulce y obtienes una imagen nítida.
  • Velocidad: A partir de 1/125s, teniendo en cuenta que, con velocidades menores (no más de 2s) y con el equipo bien estabilizado, consigues captar la Luna bien expuesta.
  • ISO: El mínimo posible, teniendo en cuenta que la velocidad mínima que puedes usar es de 2s para que la Luna no aparezca movida. Si el exposímetro no está centrado en el cero, sube poco a poco el ISO, siempre dentro de los límites de ruido que genere tu cámara.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la intensidad y la calidad de la luz de la Luna. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca directamente a la Luna. En este caso utilicé la función Live View en la pantalla LCD de mi cámara para enfocar con precisión. A continuación, amplié la imagen, siempre con la función Live View, hasta ver el detalle del relieve de la Luna. Después giré lentamente el anillo de enfoque del objetivo hasta tener el detalle de la superficie enfocado perfectamente. Si no estás acostumbrado a enfocar manualmente, gira poco a poco el anillo de enfoque y cuando te parezca que tienes tu sujeto (la Luna) enfocada, sigue girando el anillo, pásate un poco del enfoque perfecto y luego gira el anillo al revés para recuperar el enfoque. De esta manera apreciarás mejor el enfoque correcto.
  • En este tipo de fotografía la estabilización del equipo es imprescindible. Utiliza un trípode y una bolsita llena de piedras (bean bag en inglés) dependiendo de la superficie y el viento. Necesitas un disparador remoto o un intervalómetro para disparar con garantías de éxito. ¡Hay que evitar las vibraciones a toda costa!
  • Haz la foto, revisa que todo esté enfocado y con la iluminación y contraste que buscas. En caso contrario, compensa la exposición y asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma).
  • Un truco interesante en este tipo de fotografía es levantar de espejo (si lo tiene, claro :P). Aunque la cámara esté sobre un trípode el peso del cuerpo más el del objetivo puede jugarte una mala pasada.

¡Te propongo un reto!

Fotografía las diferentes fases de la luna con los mismos parámetros. Verás que al juntarlas en una sola imagen (composite en inglés) obtendrás una composición de estética sorprendente.

Fotografía de rastros de estrellas en una sola exposición (6)


Nikon D700 | 14mm | f/2.8 | Un sólo disparo de 10min 11s de exposición | ISO 200 | 3400K

Capturar una foto de rastros de estrellas en una sola exposición es un reto para cualquier fotógrafo y para cualquier sensor, dependiendo de su comportamiento frente al ruido. Pero también es una experiencia muy gratificante y emocionante que te recomiendo vivir.

Antes de ir al grano, déjame darte algunos consejos generales:

  • Busca localizaciones sin contaminación lumínica.
  • Evita, a ser posible, la Luna llena. Refleja mucha luz y dificulta captar estrellas.
  • Intenta ir acompañado. Es peligroso hacer fotografía nocturna solo. Yo mismo me he caído más de una vez aunque he tenido suerte de estar con más gente.

En nuestra guía sobre cómo fotografiar rastros de estrellas encontrarás muchos más ejemplos y explicaciones paso a paso.

En este caso, y al contrario que al fotografiar la Vía Láctea, la idea es que las estrellas aparezcan como trazos y no como puntos.

Teniendo en cuenta las condiciones de poca luz (es de noche) en las que te encuentras, usa la mayor apertura que te permita tu objetivo (f/2.8, f/4…) para capturar la máxima cantidad de luz. A mayor apertura, más luz y más estrellas capturarás.

Cuida la composición incluyendo un primer plano llamativo que realce los rastros de estrellas. Incorpora en tu encuadre un árbol, una edificación o un modelo y tu imagen final será potente.

Al utilizar una focal corta (14-35mm) para capturar la mayor parte del paisaje y del cielo, y una apertura grande para capturar el máximo de luz, puedes maximizar la profundidad de campo enfocando a la distancia hiperfocal.

Finalmente, elige el valor del ISO que te dé una foto correctamente expuesta. Lo normal es que uses ISOs bajos (100-200) para evitar el ruido en la larga exposición.

En este tipo de fotografía, te recomiendo hacer una prueba de exposición de pocos segundos (20-30s) a una sensibilidad alta (ISO 1600, 3200). Una vez que consigas una foto correctamente expuesta, baja el ISO y aplica la ley de reciprocidad para calcular la velocidad equivalente. Para los cálculos puedes utilizar la calculadora de exposición de PhotoPills.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor), objetivo gran angular, intervalómetro, trípode y rótula robustos, linternas, LEDs y un sistema anti humedad (echa un vistazo al equipo para rastros de estrellas).
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen.
  • Focal: Una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible. Desactiva también la reducción de ruido para largas exposiciones, si tu cámara tiene esta función. La reducción se aplica el mismo tiempo que la duración de la fotografía, así que en una imagen de 20s, en la mayoría de las cámaras tendrás que esperar otros 20s para que la cámara procese la imagen intentando eliminar ruido.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: No mides la luz. En su lugar, determina la exposición haciendo fotos de prueba y revisando el histograma para comprobar que la exposición es la adecuada. Puedes hacer los cálculos de reciprocidad con la calculadora de exposición de PhotoPills.
  • Apertura: Si utilizas la apertura más abierta de tu objetivo (por ejemplo f/2.8), puedes capturar muchas estrellas. Pero puede que la velocidad no sea tan lenta como quieres, obteniendo rastros más cortos de lo que buscas. En ese caso, cierra un poco la apertura (1 o 2 pasos de luz). A lo mejor no capturas tantas estrellas, pero obtendrás rastros de estrellas más largos y estrellas más nítidas al cerrar el diafragma hacia el punto dulce del objetivo.
  • Velocidad: La máxima posible para poder sacar la longitud máxima de los rastros de estrellas. Una velocidad de 30-60min es más que suficiente.
  • ISO: Teniendo en cuenta que disparas una sola exposición muy larga para obtener una determinada longitud de rastros de estrellas, son la velocidad y el ruido los que establecen los valores de apertura e ISO que puedes utilizar. El mayor problema que tienes es el ruido. Por lo tanto, mantén el valor ISO lo más bajo posible (100, 200). A continuación, elige la apertura que corresponda para obtener la velocidad deseada.
  • Balance de blancos: Manual. Si quieres capturar los colores reales de las estrellas y la escena directamente con la cámara, te recomiendo que empieces con los siguientes valores y los vayas ajustando a tu gusto: 3900K con cielo oscuro y 3400K con contaminación lumínica. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Iluminación: Ilumina el primer plano si es necesario. Si te atreves, puedes utilizar la luz de la Luna como sistema de iluminación. Planifica tu sesión fotográfica para que esa noche la Luna tenga poca elevación y aporte luz de forma lateral a la escena.
  • Haz la foto, revisa que todo esté enfocado y con la iluminación que quieres. En caso contrario, vuelve a enfocar a la hiperfocal y/o rectifica la iluminación.
  • Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta el ISO en consecuencia.

Si quieres hacer fotos espectaculares de rastros de estrellas, encontrarás todos los secretos en nuestra artículo “La guía definitiva para crear imágenes de rastros de estrellas hipnóticas”.

Fotografía de rastros de estrellas en múltiples exposiciones (7)


Nikon D4s | 14mm | f/4 | 15s (1h 20min de tiempo de exposición total) | 800 ISO | 3250K | 320 fotos editadas en Lightroom y apiladas con StarStaX

Hacer fotos de rastros de estrellas con múltiples tomas tiene muchas ventajas con respecto a hacerlas en una sola exposición.

Una de las ventajas de capturar múltiples exposiciones cortas y después juntarlas en un único fotograma es evitar que el sensor se sobrecaliente. De este modo consigues una imagen sin ruido térmico. Además es más fácil quitar elementos que estorben como trazas de aviones, satélites u otras fuentes de luz, así como vibraciones del trípode.

También tienes más control sobre la iluminación del primer plano porque puedes añadir luz en la primera y última foto. Así, tienes dos opciones para escoger la foto base.

Además, la noche es mucho más productiva ya que te puedes volver a casa con una foto, un timelapse y el resultado de la suma de las fotos que hagas. ¡Una buena sesión!

El ejemplo más claro de sesión productiva es la lluvia de estrellas.

Una vez más, en nuestra guía sobre cómo fotografiar rastros de estrellas encontrarás explicaciones paso a paso y muchos más ejemplos.

Para exponer este tipo de imagen, haz una foto de prueba con una apertura muy abierta (f/2.8 por ejemplo), un focal corta (14mm por ejemplo), una velocidad de 20-30s y un ISO alto (1600-6400). Revisa el histograma y, si fuera necesario, ajusta la velocidad o el ISO para obtener una foto correctamente expuesta.

Una vez que tengas la exposición que quieres, sólo tienes que dejar que la cámara siga capturando fotos durante horas.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor), objetivo gran angular, intervalómetro, trípode y rótula robustos, linternas, LEDs y sistemas anti humedad (echa un vistazo al equipo para rastro de estrellas).
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen.
  • Focal: Una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible. Desactiva también la reducción de ruido para largas exposiciones, si tu cámara tiene esta función. La reducción se aplica el mismo tiempo que la duración de la fotografía, así que en una imagen de 20s, en la mayoría de las cámaras tendrás que esperar otros 20s para que la cámara procese la imagen intentando eliminar ruido.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: No mides la luz. En su lugar, determina la exposición haciendo fotos de prueba y revisando el histograma para comprobar que la exposición es la adecuada.
  • Puedes hacer los cálculos de reciprocidad con la calculadora de exposición de PhotoPills.
  • Apertura: Utiliza la apertura más abierta de tu objetivo (f/2.8 por ejemplo) para capturar muchas estrellas.
  • Velocidad: Depende de cómo quieres la fotografía final. Puedes hacer fotos utilizando la regla NPF o la regla de los 500 para tener las estrellas como puntos o bien utilizar velocidades más lentas si te da igual que las estrellas muestren movimiento. Al final, vas a utilizar un programa para apilar las fotos y conseguir la imagen final de rastros de estrellas. Puedes usar la calculadora de rastros de estrellas de PhotoPills para calcular la velocidad total que necesitas para obtener una determinada longitud de los rastros de estrellas.
  • ISO: Si realizas múltiples exposiciones para obtener una determinada longitud de rastros de estrellas, son la velocidad y el ruido los que establecen los valores de apertura e ISO que puedes utilizar. El mayor problema que tienes es el ruido. Por lo tanto, mantén el ISO entre 400 y 1600, dependiendo de la cantidad de luz con la que trabajes. Si deseas capturar el color de las estrellas, no pases de ISO 1600. De esta forma conservarás los colores de las estrellas. Si subes demasiado el ISO las sobreexpondrás y te quedarán trazos blancos.
  • Balance de blancos: Manual. Empieza con 3900K si no hay contaminación lumínica y 3400K si la hay, y después ve ajustando según el resultado. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Iluminación: Ilumina el primer plano si es necesario. Si te atreves, puedes utilizar la luz de la Luna como elemento de iluminación. Planifica tu sesión fotográfica para que esa noche la Luna tenga poca elevación y aporte luz de forma lateral a la escena. En este tipo de fotografía ilumina tan sólo, si hace falta, la primera y la última imagen. Posteriormente, decide cuál te gusta más y úsala de fotografía base.
  • Revisa que todo esté enfocado en la primera foto. Haz todas las pruebas al principio ya que, al empezar, no podrás cambiar nada. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta el ISO en consecuencia.

Si quieres hacer fotos espectaculares de rastros de estrellas, encontrarás todos los secretos en “La guía definitiva para crear imágenes de Rastros de Estrellas hipnóticas”.

Fotografía puesta o salida de sol (8)


Nikon D700 | 500mm | f/8 | 1/40s | ISO 200 | 6850K | Panorámica de 10 fotografías

Una vez más es importante recordar que la luz es el elemento indispensable para realizar una fotografía. Las fotografías hechas con luz solar cambiarán su apariencia según cambie la elevación del Sol.

Conocer las fases de luz en que se divide el día, dependiendo de la elevación del Sol, te permite conocer qué luz te vas a encontrar en cada momento. De esta manera sabes cuándo es el mejor momento para hacer una foto u otra.

Los mejores momentos para fotografiar un paisaje son cuando el Sol está bajo, cerca del horizonte, dándote una luz inmejorable para realzar colores, formas y texturas.

La fase de luz que disfrutas con el Sol cerca del horizonte se denomina hora dorada (elevación del Sol entre 6 y -4 grados). Durante este momento del día, el cielo se vuelve brillante, las nubes pueden coger colores anaranjados, amarillos, magentas, rojos y azules. La luz es suave y difusa.

Acto seguido el cielo se vuelve más azulado al entrar en lo que se denomina la hora azul. Este momento sucede cuando el sol está entre -4 y -6 grados por debajo del horizonte.

No te preocupes en memorizar los grados, PhotoPills te indica las horas exactas de la hora dorada y la hora azul para una localización específica.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres un paisaje general o un teleobjetivo si buscas captar una abstracción del mismo. Un intervalómetro. Un trípode y rótula robustos. A veces, dependiendo del apoyo que haga falta puedes utilizar bolsitas rellenas de piedras (bean bags en inglés) que dan mucha estabilidad.
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen. A veces y dependiendo de la cámara y el objetivo que uses, puede ser útil levantar el espejo como hice en la foto de arriba. No obstante, a partir de 1s de exposición esta técnica no es necesaria.
  • Focal: Depende del tipo de paisaje que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible hasta un teleobjetivo o superteleobjetivo, como en esta ocasión (500mm).
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara.
  • Apertura: Desde f/4 hasta f/16. Ten cuidado de no pasar de f/16 para no provocar difracción porque resta enfoque y calidad a la imagen.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad la determina la combinación apertura-ISO que selecciones. Aquí entra en juego tu criterio según quieras más o menos luz en la foto.
  • ISO: La fotografía de paisaje suele ir acompañada de trípode, siempre y cuando no lo necesites por tener otras intenciones. Por lo tanto, usa el mínimo ISO que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Fotografía de larga exposición con filtros ND y GND (9)


Nikon D4s | 14mm | f/5.6 | 10s | ISO 200 | 7500K | Panorámica de 4 fotografías | Filtro ND64 (6 pasos) y filtro GND 0.9 (3 pasos) para equilibrar el cielo con el primer plano, más en sombra.

“El uso de los filtros resulta indispensable cuando afrontamos con seriedad la fotografía de paisaje” - José B. Ruiz

Esta frase de José B. Ruiz, gran fotógrafo y amigo, nos deja con la duda razonable de lo qué se entiende por “seriedad”. Para mí, la seriedad de la que habla José Benito es el control avanzado de la exposición.

Ya te expliqué en la sección 22 que existen dos tipos de filtros:

  • Los de densidad neutra (neutral density en inglés o ND). Pueden ser circulares de rosca o cuadrados (también llamados de hoja).
  • Los degradados de densidad neutra (graduated neutral density o GND filter en inglés) que restan la luz gradualmente a lo largo de su superficie. Excepto casos muy excepcionales suelen ser rectangulares (o de hoja).

La función de un filtro ND es la de reducción de la intensidad de luz que pasa por tu objetivo. Éste debe ser neutro, sin dominancias de color.

Utilizo los filtros GND para equilibrar los contrastes de la escena. Dependiendo de mi intención elijo una densidad de filtro u otra. Casi siempre con 3 pasos de luz me es suficiente.

Un buen sistema de filtros para fotografía de paisaje se basa en:

  • Un portafiltros.
  • Una anilla para acoplar el portafiltros a tu objetivo.
  • Un juego de filtros ND y GND.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres un paisaje general o un teleobjetivo si buscas captar una abstracción del mismo. Un intervalómetro. Un trípode y rótula robustos. A veces, dependiendo del apoyo que haga falta puedes utilizar bolsitas rellenas de piedras (bean bags en inglés) que dan mucha estabilidad.
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen. A veces y dependiendo de la cámara y el objetivo que uses, puede ser útil levantar el espejo como hice en la foto de arriba. No obstante, a partir de 1s de exposición esta técnica no es necesaria.
  • Focal: Depende del tipo de paisaje que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible hasta un teleobjetivo o superteleobjetivo.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara. Al trabajar con un filtro degradado, tu intención es equilibrar el contraste de la escena. Por lo tanto, estudia previamente la escena para comprobar la diferencia de pasos que existe entre las altas luces y las sombras (sección 9). Una vez conozcas la diferencia de pasos existente coloca el filtro adecuado. Elige siempre un filtro con menos densidad (menos pasos) de los que has medido en la escena. Así evitas una imagen poco real en la que, por ejemplo, el cielo quede más oscuro que la parte de la tierra. Una vez esté puesto el filtro mide en las altas luces y, si es necesario, compensa la exposición.
  • Apertura: Desde f/4 hasta f/16. Ten cuidado de no pasar de f/16 para no provocar difracción porque resta enfoque y calidad a la imagen.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad la determina la combinación diafragma-ISO que selecciones. Aquí entra en juego tu criterio según quieras más o menos luz en la foto. Aunque, por lo general, te recomiendo usar velocidades lentas. Si utilizas un filtro ND, haz primero una foto de prueba sin el filtro para obtener la exposición que buscas. Después, calcula la velocidad equivalente al utilizar el filtro. Puedes utilizar la calculadora de exposición de PhotoPills para calcular la velocidad que necesitas al utilizar un filtro.
  • ISO: La fotografía de paisaje suele ir acompañada de trípode, siempre y cuando no lo necesites por tener otras intenciones como la realización de siluetas a plena luz de día. Por lo tanto, usa el ISO mínimo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Imagina que estás ante un atardecer o amanecer efímero y quieres usar un filtro de densidad neutra de 10 o 16 pasos.

Seguramente sólo tendrás una oportunidad de fotografiarlo. ¡Planifica bien la foto para poder aprovecharla!

Fotografía de retrato sobre fondo blanco (10)


Nikon D4s | 105mm | f/16 | 1/80s | ISO 100 | 6250K

¿Te esperabas otra foto tal vez?

Las orquídeas son una de las especies de flora más fotogénicas, y por su forma esbelta, la Anacamptis pyramidalis se lleva la palma… ¿Por qué no hacerle un buen retrato con la intención de realzar la forma y atributos de esta planta?

En este tipo de fotografía el sujeto es el único protagonista. Esta disciplina se practica en el campo, sin perturbar a los modelos, utilizando solamente la luz de un flash para quemar el fondo.

Es una técnica relativamente sencilla. Un fondo blanco (suelo utilizar una ventana de luz mediana para quemar completamente el fondo) con un flash detrás, un flash con ventana difusora a 45 grados como luz principal y un reflector en el lado opuesto al flash principal.

Empieza realizando fotos de prueba hasta conseguir que el fondo quede quemado. Compruébalo en la pantalla LCD de tu cámara con los “testigos intermitentes” activados. Una vez que la luz de fondo está correctamente sobreexpuesta (sin que parte de la luz trasera contamine el sujeto) apaga el flash en contra.

Después, enciende el flash frontal a unos 45 grados y ponlo lo suficientemente cerca para crear sombras suaves. Haz varios disparos de prueba para ver la cantidad de luz que necesita el flash para iluminar el sujeto a contraluz (creado por el flash trasero) ajustando únicamente la potencia del flash. Empieza a 1/16 de potencia y regúlalo paulatinamente.

Ten en cuenta que si cambias el ISO o la apertura varías toda la exposición, incluyendo la luz del fondo.

Este tipo de retrato hace única a la planta (o modelo), y permite que el espectador la disfrute en todos los sentidos.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Objetivo macro o teleobjetivo para aislar al sujeto.
  • Equipo de iluminación: Un flash portátil situado en contra con una ventana difusora, un flash a unos 45 grados del sujeto con otra ventana difusora y un reflector en el lado opuesto.
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen si disparas con trípode.
  • Focal: Cualquier focal de macro (60mm a 200mm). Otra opción es una distancia focal a partir de 200mm con un teleobjetivo.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Medición puntual. Haz dos mediciones, una para el fondo (tu intención es dejarlo blanco) y otra para la flor. La luz del flash es clave para obtener un exposición correcta.
  • Apertura: Al tener un fondo blanco y sin textura, la apertura puede ser pequeña (f/11, f/16). De esta manera consigues detalle en toda la flor.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad la determina la combinación diafragma-ISO que selecciones.
  • ISO: El más bajo posible para no perder calidad.
  • Balance de blancos: Manual. Utiliza una tarjeta X-Rite ColorChecker Passport para calibrar la luz y obtener el color real de la flor. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: En un punto intermedio de la orquídea para que toda la planta quede enfocada.
  • Haz fotos de prueba para controlar la luz artificial. Revisa que todo esté enfocado y bien expuesto. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Si te gusta esta fotografía no te pierdas el trabajo de su máximo impulsor: Niall Benvie.

Fotografía de retrato sobre fondo oscuro (11)


Nikon D4s | 85mm | f/1.4 | 1/4s | ISO 100 | 3200K

Una madre lo es todo. Esta imagen, que de por sí ya tiene un mensaje de ternura, es aún más directa con el revelado monocromo.

Me gusta mucho hacer retratos sobre fondo negro y en blanco y negro. La modelo está vestida de negro ya que mi intención es fundir su ropa oscura con el fondo negro. De esta manera solamente enseño aquello que me interesa: manos, cara y bebé.

Por los ajustes de cámara que hay bajo la foto puedes deducir que esta imagen no está expuesta con luz estroboscópica. La luz estroboscópica es una fuente luminosa que emite de forma contínua una serie de destellos muy breves y rápidos. Generalmente, se usa para hacer exposiciones múltiples de las fases de un movimiento.

En efecto, es una imagen realizada en estudio con la ayuda de una fuente de luz contínua como luz principal, situada en el lado izquierdo, y de un reflector en el lado opuesto a ésta.

Cuando realizo este tipo de fotografía tengo un ayudante indispensable, mi querido Nikon 85mm f/1.4. Este objetivo nunca me defrauda. Siempre cumple a las mil maravillas aunque sea difícil de dominar, sobretodo en su máxima apertura.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Teleobjetivo medio (±85mm).
  • Equipo de iluminación: Un foco de luz continua (1000W) con ventana difusora y un reflector en el lado opuesto al foco para aclarar sombras.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Cualquier focal de un rango medio (50mm a 200mm).
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Hazla en modo puntual sobre la piel de la modelo.
  • Apertura: Elige la apertura más abierta posible para aprovechar de manera artística la poca profundidad de campo de que dispones.
  • Velocidad: En este tipo de retratos la velocidad es relativamente lenta debido a la luz continua.
  • ISO: Una vez tienes la apertura, utilizar el ISO mínimo que te permita una exposición correcta sin que la fotografía quede movida.
  • Balance de blancos: Manual. Utiliza una tarjeta X-Rite ColorChecker Passport para calibrar la luz y obtener el color real de la piel. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca en los ojos del bebé, situado en el mismo plano focal que su madre. Esto te permite conseguir que los modelos queden enfocados aún abriendo al máximo el diafragma.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Cuando hagas retratos a bebés intenta realizarlos con luz natural o artificial contínua. Así no molestas al pequeño con las luces estroboscópicas.

Fotografía de retrato a contraluz en exterior (12)


Nikon D700 | 85mm | f/13 | 1/250s | ISO 200 | 7050K

El retrato a contraluz en exterior tiene sus encantos. Por un lado, es una oportunidad de obtener un buen bokeh. Por otro lado, consigues equilibrar las luces, dando una atmósfera muy peculiar a la fotografía obtenida.

Otro tipo de retratos a contraluz son aquellos en los que utilizas la luz del Sol como elemento de la imagen. Así, obtienes siluetas sobre fondo luminoso que suelen transmitir dramatismo. También puedes utilizar el Sol para perfilar al modelo.

En este caso la imagen es un buen ejemplo para que entiendas, junto con el making of de la sesión, cómo se pueden hacer este tipo de fotografía.

Raquel, la modelo, está a contraluz, en la bocana del puerto Ciutadella de Menorca. Un octobox de 110cm ilumina suavemente a la modelo, mientras el Sol está poniéndose detrás de ella.

Acerqué la fuente de luz y cerré el diafragma para poder usar un tiempo de exposición que sincronizara bien: 1/250s en este caso. Como Raquel estaba en sombra una potencia del flash a 1/8 fue suficiente para llenar su cuerpo de luz suave y difusa e iluminarla.

En retrato, no fallo cuando utilizo mi querido Nikon 85mm f/1.4. Es un objetivo espectacular tanto para retrato como para paisaje.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Teleobjetivo medio (±85mm).
  • Equipo de iluminación: Flash de estudio alimentado por una batería portátil y con ventana difusora octobox.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Cualquier focal de un rango medio (50mm a 200mm).
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Hazla en modo puntual para poder medir de manera eficiente la luz y controlar luego el contraluz. En este caso, mide primero la luz del fondo. Ten en cuenta que la exposición que buscas para el fondo no tiene que ser una exposición correcta. A veces puede ser interesante tener fondos sobre o subexpuestos. Una vez tienes expuesto el fondo usa el octobox para cambiar la intensidad necesaria del flash principal. Utiliza el método “prueba y error” hasta determinar la intensidad que buscas.
  • Apertura: Depende de la idea de foto que tienes en mente. En este caso cerré el diafragma para tener una gran profundidad de campo. Esta foto es una excepción dentro de mis retratos, ya que siempre abro mucho el diafragma para crear desenfoques y bokehs agradables.
  • Velocidad: Como señalaba arriba, utilicé la máxima velocidad de sincronización de mi cámara, 1/250s.
  • ISO: Una vez tienes la apertura, utiliza el ISO mínimo que te permita una exposición correcta sin que la fotografía quede movida.
  • Balance de blancos: Manual. Utiliza una tarjeta X-Rite ColorChecker Passport para calibrar la luz y obtener el color real de la piel. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca en los ojos de la modelo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Te recomiendo realizar este tipo de fotografía en el transcurso de la hora dorada, cuando la calidad de la luz es espectacular.

Fotografía de retrato en estudio (13)


Nikon D4s | 85mm | f/11 | 1250s | ISO 100 | 4500K

En estudio, la iluminación es esencial para conseguir un buen retrato.

Por lo general, cuando trabajas en un estudio no sueles estar completamente a oscuras. Siempre hay una fuente de luz (un fluorescente, una bombilla...) que se puede convertir en un pequeño obstáculo a la hora de hacer la fotografía.

Si utilizas una velocidad de obturación de 1/200s o 1/250s (siempre que estén dentro del margen de sincronización con el flash), consigues que la luz ambiente de la sala o estudio no interfiera en el resultado final.

El esquema de iluminación de esta fotografía es sencillo. Usé un flash como luz principal a la derecha de Maty, la modelo, y otro en el lado opuesto a menor potencia para rellenar sombras. A la izquierda del encuadre y desde el fondo, otro flash con un embudo (snoot en inglés) perfila la parte trasera de Maty.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Teleobjetivo medio (±85mm) para acercarte bastante a la modelo.
  • Equipo de iluminación: Un equipo de tres flashes de estudio a diferente potencia, dos con ventana difusora rectangular y otro el fondo con un embudo (snoot en inglés) para perfilar la parte de atrás de la modelo.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Cualquier focal de rango medio (50mm a 200mm).
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: En estudio, utiliza la medición que te dé el fotómetro de mano. Mide la luz del flash principal (el fotómetro te indica qué combinación de apertura, velocidad e ISO vas a tener para una intensidad de luz dada). Si tienes el fotómetro de mano a ISO 100 y una velocidad de, por ejemplo 1/250s, el fotómetro te marca la apertura necesaria para esa intensidad de luz dada. Una vez lo sepas, puedes variar la apertura y la velocidad, siempre teniendo en cuenta la ley de reciprocidad. Puedes utilizar la calculadora de exposición de PhotoPills para los cálculos si lo deseas.
  • Apertura: Depende de la idea de foto que tienes en mente. En este caso, cerré el diafragma para tener un profundidad de campo grande.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad la determina la combinación apertura-ISO que selecciones y el límite de la velocidad de sincronización de los flashes (1/250s).
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Utiliza una tarjeta X-Rite ColorChecker Passport para calibrar la luz y obtener el color real de la piel. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca en los ojos de la modelo. Lo primero que debería captar la atención del espectador es una mirada nítida y profunda.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Fotografía de calle (street photography en inglés) (14)


Olympus OM-D E-M1 | 300mm | f/5 | 1/1000s | ISO 200 | 5100K

Los días 23 y 24 de junio, los caballos y el gentío llenan las calles de Ciutadella para disfrutar de las fiestas de Sant Joan. El protagonista absoluto de estas fiestas de tradición centenaria es el caballo de raza menorquina, de color negro y porte atlético.

Los caballos, junto con sus ávidos jinetes, los caixers, hacen que la gente enloquezca con sus saltos y piruetas.

En la imagen de arriba el polvo de la arena en suspensión realza aún más el dinamismo de la escena.

En la fotografía de calle lo importante es no perder la foto, por lo que no te recomiendo trabajar en modo Manual (M). En su lugar, utiliza el modo de exposición de Prioridad a la Apertura (A o Av) y el disparo en ráfaga (en la opción High). De este modo la cámara te ayuda tanto a exponer como a maximizar las probabilidades de capturar el momento que buscas.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). En general, usa una focal fija luminosa cercana a los 35mm equivalentes. También puedes usar un teleobjetivo como hice yo en este caso.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Para poder aislar bien el caballo utiliza un teleobjetivo.
  • Modo de exposición: Modo Prioridad a la Apertura (A o Av). La velocidad de movimientos de los caballos y el paso continuo de la gente requieren rapidez a la hora de exponer. Te sugiero además que hagas este tipo de fotos usando el disparo en ráfaga para no perder la foto.
  • Modo de medición: Utiliza el modo puntual sobre el pelaje negro del caballo. Luego, subexpón 1 o 2 pasos (-1EV o -2EV). Tengo que decir que en este tipo de fotografía suelo siempre arriesgar y dar más interés a la luz del protagonista, sea cual sea el sujeto a fotografiar. En este caso, la luz brillante del fondo (primera hora de la tarde) resalta aún más la esbelta figura del caixer y su caballo.
  • Apertura: Elige una apertura grande (dependiendo de tu objetivo, entre la más baja posible y f/5.6) para poder disparar a una velocidad rápida.
  • Velocidad: La velocidad la determina la apertura. Al ser una apertura grande, una velocidad de 1/1000s es lo suficientemente rápida como para congelar la acción del salto.
  • ISO: Usa el ISO más bajo posible para minimizar el ruido. No lo cambies hasta que la luz disminuya y te veas en la obligación de abrir más el diafragma. Ajusta primero la velocidad y, por último, el ISO. En fotografía de calle el momento que quieres captar es casi más importante que la propia exposición. Muchas veces selecciono el ISO automático limitándolo a un rango en el que el ruido no afecte a la calidad de la imagen. En mi caso, establezco un intervalo de 100 a 1600 ISO.
  • Balance de blancos: En manual casi siempre. Pero si te mueves por localizaciones en las que la temperatura de color varía mucho, ponlo en automático.
  • Dónde enfocar: En el caso de esta fotografía, en la cabeza del caballo, para asegurar tener los ojos enfocados.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Como norma general, cuando hago fotografía de calle me gusta quedarme en un sitio concreto y trabajar con un escenario apropiado. Luego, espero que suceda algo.

Enfoco el escenario con antelación y espero a que pase algo, ese inesperado momento. Es cuestión de esperar y tener paciencia.

Fotografía de ciudad en hora azul. Efecto estrella y Luna iluminada por luz cenicienta (earthshine en inglés) (15)


Nikon D700 | 85mm | f/13 | 8s | ISO 200 | 3550K

Durante la hora azul el cielo adquiere un color azulado con toques de naranjas y amarillos en el horizonte. Es un momento mágico para la fotografía de paisaje urbano. Los tonos naranjas de la ciudad se complementan a la perfección con el azul intenso.

Cerrando el diafragma, como en este caso a f/13, consigues que las luces de las farolas y el faro tengan esta forma estrellada (starburst en inglés). Este efecto se produce porque la luz se dispersa a través de las palas del diafragma.

En este caso, usé una distancia focal moderadamente larga para aplanar un poco el elemento urbano y que la Luna tuviese un protagonismo relevante en la composición.

Además, aproveché para captar la Luna iluminada por la luz cenicienta.

¿Ves como la parte oscura de la Luna se distingue perfectamente? Esto se produce porque la Tierra refleja la luz del Sol sobre la Luna en la parte que está en sombra. Esa luz es la luz cenicienta.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Objetivo desde un angular a un teleobjetivo. Un intervalómetro. Un trípode y rótula robustos. A veces, dependiendo del apoyo que haga falta puedes utilizar bolsitas rellenas de piedras (bean bags en inglés) que dan mucha estabilidad.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Cualquier focal sirve, depende de la idea que tengas.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Usa la medición puntual en la parte más brillante de la escena que quieras con detalle. Después, sobreexpón 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). En este caso concreto, medí la luz en el paseo marítimo de la izquierda que recibe la luz de las farolas.
  • Apertura: Lo suficientemente cerrada para conseguir una buena profundidad de campo y el efecto estrella (starburst en inglés) de las luces. Te recomiendo utilizar una apertura a partir de f/11.
  • Velocidad: La velocidad tiene que ser lo suficientemente lenta para que tu escena esté debidamente expuesta. En este caso, la medición indica que 2s son suficientes pero puedes llegar hasta los 8s. Un trípode, un intervalómetro y, si tienes una réflex, el bloqueo de espejo (de 1/15s hasta 1s) son indispensables.
  • ISO: Al trabajar con tripode, usa el ISO más bajo posible.
  • Balance de blancos: Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición. En esta foto opté por 3550K para equilibrar los naranjas de la escena y mantener el cielo azul.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo. En este caso, enfoqué a unos 20m (la hiperfocal estaba a 19,05m). Así pude tener todo enfocado desde más o menos 9,5m a infinito. Además capturé la costa de la isla de Mallorca perfectamente enfocada.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Fotografía panorámica con bokeh (efecto Brenizer) (16)


Nikon D700 | 85mm | f/1.4 | 1/125s | ISO 200 | 5000K | 57 fotos editadas en Lightroom y cosidas con PTGui Pro

Cuando miras la foto, tienes la impresión que la imagen se hizo con un gran angular pero con poca profundidad de campo. Esta foto es el resultado de 57 fotogramas fusionados con el software PTGui Pro. La peor parte del trabajo fue para mi hija Aina, que tuvo que estar totalmente quieta durante toda la sesión.

El efecto Brenizer, llamado así por su creador Ryan Brenizer, no es más que una técnica que consiste en hacer una serie de fotografías con un teleobjetivo luminoso para crear un panorama.

El resultado es impresionante. Consigues una foto con muy poca profundidad de campo, por lo que parece que has la has hecho con un gran angular. Pero, al mismo tiempo, la imagen tiene el bokeh característico de cualquier teleobjetivo medio o grande luminoso.

Te recomiendo que uses un objetivo a partir de 85mm y a ser posible con una apertura mínima de f/2.8. Cuanto más luminoso sea el objetivo, más impresionante será el efecto.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Teleobjetivo a partir de 85mm. Un trípode y rótula robustos si utilizas un teleobjetivo pesado y voluminoso.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: A partir de 85mm, dependendiendo de la idea que tengas.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Usa la medición puntual, midiendo al elemento clave de la escena. En este caso no importa dejar el fondo sin apenas detalle, dependiendo del bokeh que quieras imprimir en la imagen.
  • Apertura: Lo más abierta posible.
  • Velocidad: La velocidad tiene que ser lo suficientemente rápida si estás haciendo un retrato a una persona para que esta no salga movida. En caso contrario, al disparar sobre trípode ya es secundario.
  • ISO: Depende. Si no trabajas con trípode utiliza un ISO que permita una velocidad lo suficientemente rápida para que la toma no salga movida. Al trabajar con tripode, usa el ISO más bajo posible.
  • Balance de blancos: Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca en el elemento clave de la escena (persona, elemento natural…) y una vez esté en foco pon el AF en manual.
  • Haz la foto. En este caso estamos hablando de una foto panorámica de muchas fotos. Si estás fotografiando una persona, tienes que ser lo suficientemente rápido para que no tenga tiempo a moverse mucho. Si no lo haces puedes encontrarte con un montón de fotografías difícil de montar. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.
  • Monta la imagen en tu programa de edición de panorámicas preferido.

Fotografía de relámpagos y tormentas (17)


Nikon D300 | 24mm | f/5.6 | 8s | ISO 200 | 4300K

Una noche con un cielo plomizo puede ser atractiva si se avista una tormenta. Los relámpagos son a la vez fascinantes y peligrosos, por lo que hay que estar a buen recaudo para fotografiarlos. En el caso de esta foto, la hice desde la ventana de mi dormitorio.

Los relámpagos son bastante impredecibles. Ármate de paciencia y ten la cámara preparada en todo momento. Además, tu prioridad es capturar el máximo de relámpagos, así es que lo mejor es que optes por una larga exposición.

Ese día quería capturar un rayo sí o sí. Primero, calculé la exposición para el molino. Después, configuré el intervalómetro para que realizase una foto de 8s cada 2s. La cámara estuvo 2h trabajando mientras yo leía tranquilamente una novela acostado en la cama.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres un paisaje general o un teleobjetivo si quieres que el rayo ocupe una gran parte del encuadre. Un intervalómetro. Un trípode y rótula robustos.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Depende del tipo de paisaje que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible hasta un teleobjetivo o superteleobjetivo.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Medición puntual a los edificios blancos que hay a la derecha del molino para luego sobreexponer y así no quemar los blancos.
  • Apertura: Depende de la profundidad de campo que busques, aunque generalmente será bastante para que tengas enfocado el rayo y su entorno. En este caso cerré a f/5.6 para poder tener una buena profundidad de campo.
  • Velocidad: Cada caso es muy particular. Te recomiendo probar varias velocidades hasta conseguir que los edificios queden correctamente expuestos. En el caso de la fotografía, la velocidad para que los edificios y el molino quedasen correctamente expuestos fue de 8s.
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Depende del tono de las luces artificiales (si las hubiera) y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Fotografía de fuegos artificiales (18)


Olympus OM-D E-M1 | 17mm | f/8 | 4min 20s | ISO 200 | 4300K | Adaptador a objetivos Nikon | Opción Live Composite

Es habitual que en fin de año haya fuegos artificiales.

Para que tu foto sea más espectacular, intenta incluir más de una palmera de luz en el encuadre. El reto es hacerlo en una sola exposición.

La forma más habitual de hacer este tipo de fotografías es disparando en modo Bulb. Mantén el obturador abierto indefinidamente y, a medida que vayan apareciendo fuegos, tapa el objetivo de forma intermitente (idealmente con una cartulina negra o, si no tienes, con una camiseta negra). Si no lo tapas, tu fotografía estará sobreexpuesta.

Hay, además, otro sistema que es el que he utilizado en esta imagen: la función Live Composite que tienen algunas cámaras Olympus. Este programa te permite visualizar en vivo cómo se va generando la fotografía al ir añadiéndose las diferentes luces. En la imagen superior puedes ver como el Live Composite ha ido añadiendo todas las luces nuevas (fuegos artificiales) respetando las del castillo.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres un paisaje general o un teleobjetivo si buscas captar una abstracción del mismo. Un intervalómetro. Un trípode y rótula robustos. A veces, dependiendo del apoyo que haga falta puedes utilizar bolsitas rellenas de piedras (bean bags en inglés) que dan mucha estabilidad.
  • Configuración cámara: En modo Live Composite. Si tu cámara no dispone de Live Composite, selecciona el modo RAW.
  • Focal: Depende del tipo de paisaje que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible hasta un teleobjetivo o superteleobjetivo.
  • Modo de exposición: Modo programado Live Composite. Si tu cámara no dispone de Live Composite selecciona el modo Manual (M).
  • Modo de medición: Si tu cámara dispone de Live Composite, no tienes que hacer medición alguna. Es imposible que te salga sobreexpuesta. En caso contrario, usa el modo de medición puntual, mide la luz sobre el sujeto predominante. En este caso, es el castillo iluminado.
  • Apertura: Al utilizar un objetivo Nikon con el adaptador a Olympus, cerré hasta f/8 para aprovechar el punto dulce del objetivo, teniendo en cuenta que podía perder calidad al no ser un objetivo adaptado al sistema Micro 4/3.
  • Velocidad: La ventaja de utilizar el modo Live Composite es que el obturador puede permanecer mucho tiempo abierto ya que solamente añadirá luces nuevas al fotograma. Si tu cámara no tiene Live Composite selecciona el modo Bulb y tapa el objetivo de forma intermitente. Es la única forma de que la foto no te quede sobreexpuesta. Haz varias pruebas para determinar el intervalo entre objetivo tapado y descubierto.
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Depende del tono de las luces artificiales (si las hubiera) y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Mientras estaba ideando esta foto, tenía claro que debía alejarme lo suficiente para poder trabajar tranquilo y sufrir la menor presión posible por parte de los espectadores.

Es importante buscar un buen encuadre. En este caso, el Castillo de Sant Nicolau equilibra la composición de la imagen.

Macrofotografía (19)


Nikon D7100 | 105mm macro | f/8 | 1/40s | ISO 100 | 5145K

Fotografiar las orquídeas en temporada es una terapia para mí. Me encanta fotografiarlas por el simple hecho de que puedo entrar dentro de su micro mundo. Tumbado en el suelo se ven las cosas de otra manera.

Ese día encontré una colonia enorme de Ophrys speculum. Unos 600 ejemplares convivían en una zona con hierba baja, y me pareció un lugar ideal para inmortalizarlas.

Buscaba una planta grácil y hermosa. Y además, quería interpretar en el encuadre lo que veían mis ojos: centenares de orquídeas colocadas de manera caprichosa en un campo despejado.

En esta ocasión, la luz del atardecer me facilitó el resto.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Objetivo macro aunque también puedes usar un objetivo fijo luminoso con un tubo de extensión. Aquí no usé trípode. Una bolsita de piedras (bean bag en inglés) me ayudó a la estabilización de la imagen y a fundir la hierba del primer plano con mi protagonista.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Un objetivo macro de 105mm. Para según qué propósitos utilizo el 200mm f/4.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Medición puntual. En este caso, medí puntualmente una zona de la planta. Tras medir, el exposímetro me indicó una ligera sobreexposición por lo que subexpuse medio paso (-½ EV).
  • Apertura: La profundidad de campo es crucial y tu criterio artístico es el que determina la apertura. Aquí, al estar las otras orquídeas un poco separadas de mi modelo, opté por cerrar hasta f/8, para que las otras plantas saliesen desenfocadas pero conservando toda su apariencia de orquídea.
  • Velocidad: Depende de tu apertura. Usa la calculadora de exposición de PhotoPills para ahorrarte los cálculos. En mi caso, la seleccioné conforme a la medición de luz que hice previamente.
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Utiliza una tarjeta X-Rite ColorChecker Passport para calibrar la luz y obtener el color real de la flor o el insecto. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca justo en el labelo de la orquídea para tener una profundidad de campo equilibrada entre la parte anterior y posterior de la flor. Puedes utilizar la calculadora de profundidad de campo macro de PhotoPills para hacer todos los cálculos.

El desenfoque del primer plano le da a la imagen final una atmósfera especial, aportando aún más importancia al sujeto a fotografiar.

Fotografía en blanco y negro (20)


Nikon D4s | 200mm | f/5.6 | 1/2000s | ISO 100 | 6645K

Islandia. Sin palabras. Un viaje fotográfico que marcó un antes y después en mi vida fotográfica.

Un lugar lleno de sensaciones, luz e imágenes en todas partes.

Dos días antes de empezar un viaje fotográfico con algunos PhotoPillers, Rafa, Germán y yo mismo nos perdimos en compañía del guía, fotógrafo y amigo Donal Boyd en las Highlands del centro de la isla. Mis ojos no daban crédito a tanta belleza.

Después de vadear unos cuantos ríos los rayos solares entraban en el inmenso paisaje con fuerza. No pude evitar gritar “Stop Donal!” para que parara el coche. En unos segundos estábamos fuera con la cámara en la mano.

Al ver esta escena pensé en Sebastião Salgado, en su luz, en su “Sal de la Tierra”. La niebla, las nubes, las montañas, el Sol... Todos ellos se habían aliado para concederme esta oportunidad.

En este caso, los parámetros de exposición (f/5.6, 1/2000s e ISO 100) puede parecer inapropiados. Sin embargo, la luz cambiaba muy rápido, salimos corriendo del coche… Así es que no tuve tiempo de cambiar la apertura siguiendo la ley de reciprocidad para tener más profundidad de campo.

Podría haber cambiado a f/8, con una velocidad de 1/1000s, suficiente para hacer la foto a pulso. Sin embargo, preferí empezar a hacer fotos cuanto antes para no perder la oportunidad de capturar esa luz y ese momento.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Objetivo desde un angular a un teleobjetivo.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Depende del tipo de paisaje que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible hasta un teleobjetivo, como en esta ocasión (200mm) o superteleobjetivo.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara.
  • Apertura: Desde f/4 hasta f/16. Ten cuidado de no pasar de f/16 para no provocar difracción porque resta enfoque y calidad a la imagen.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad la determina la combinación apertura-ISO que selecciones. Aquí entra en juego tu criterio según quieras más o menos luz en la foto.
  • ISO: Usa el ISO más bajo posible.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición. Al salir deprisa del interior del vehículo, opté por utilizar la opción “Nublado”.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Mientras estaba en el coche, no dejaba de impresionarme la riqueza de contraste lumínico de las escenas que iba viendo. En vista de las circunstancias, justo antes de bajar del vehículo decidí que esa foto iba a quedar perfecta en blanco y negro.

Lógicamente, la hice en color. Más tarde, la revelé en blanco y negro quedando tal y como la ves aquí.

Fotografía de celebraciones (21)


Olympus OM-D E-M1 | 300mm | f/6.3 | 1/40 | ISO 200 | 7000K

Si hace un año me dicen que iba a hacer una fotografía a unos novios asiáticos posando delante de un glaciar en Islandia no me lo hubiese creído.

Pero la vida es caprichosa y a veces te encuentras en un mar de situaciones incomprensibles como ésta.

La explicación es fácil.

Veníamos de hacer fotos en el glaciar Jökulsárlón, dónde había estado esperando para capturar los charranes árticos. Llevaba la Olympus con el 300mm montado y cuando volvíamos a los coches nos encontramos con esta estampa. Una feliz pareja de recién casados era objeto de un reportaje de bodas.

Debía estar a unos 50m de ellos. Así es que pude hacer una serie de retratos robados de esta simpática situación sin molestarlos.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres una escena general o un teleobjetivo si buscas captar un primer plano o un detalle.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Depende del tipo de foto que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo posible de la escena o un teleobjetivo (85mm, 200mm).
  • Modo de exposición: Prioridad a la Apertura (A o Av) para poder hacer las fotos más rápidamente y no perder momentos.
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara.
  • Apertura: Desde f/4 hasta f/16. Ten cuidado de no pasar de f/16 para no provocar difracción porque resta enfoque y calidad a la imagen.
  • Velocidad: Al exponer en modo Prioridad a la Apertura (A o Av), la velocidad la determina la cámara en función de la apertura que selecciones. Aquí entra en juego tu criterio según quieras más o menos profundidad de campo en la foto. No suelo disparar a velocidades inferiores de la focal efectiva (en este caso 600mm por el recorte 2x de las cámaras Micro 4/3). Pero disparé a 1/40s sin apenas tiempo de reacción. Me fié completamente del sistema de Sync IS que consigue coordinar los sistemas de estabilización de la cámara obteniendo una compensación de hasta 6 pasos.
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca siempre al sujeto principal (la cara de la novia, por ejemplo, asegurándote que los ojos salgan nítidos).
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

En la fotografía de bodas, te recomiendo que utilices varios objetivos (desde un angular a un teleobjetivo). Además, necesitas un toque de originalidad y, sobretodo, espontaneidad.

He fotografiado pocas bodas, pero siempre he intentado fotografiar lo espontáneo y efímero. Estas fotos son las que generalmente causan más sorpresa entre los novios cuando revisan el trabajo.

Te voy a dar una recomendación de seguridad. En la medida de lo posible, trabaja con dos cuerpo y haz una copia de seguridad de las tarjetas de memoria en cuanto puedas. Muchas cámaras hoy en día tienen doble ranura para tarjetas, así es que otra opción es que hagas una copia directamente en tu cámara.

Fotografía estenopeica (22)


Holga 120 WPC | 40mm | f/135 | 2s | ASA 400

La ventaja de este tipo de fotografía es que apenas usas equipo. Para empezar, necesitas una cámara estenopeica. Este tipo de cámara no tiene objetivo y consiste en un cuerpo (una caja, una lata, cualquier recipiente cerrado) con un estenopo, una abertura diminuta, por la que entra la luz.

También necesitas poner dentro una película o papel fotográficos, dependiendo de la cámara que hayas fabricado. En este caso usé la Holga 120 WPC (wide pinhole camera en inglés) con película Kodak de 400 ASA monocroma ed 120mm.

La característica más notable en este tipo de fotografía es la profundidad de campo que siempre es infinita.

El revelado químico posterior de la película y sus sorprendentes resultados hacen que me sea imposible deshacerme del proceso químico. Cada dos meses, como mucho, suelo salir con algunas de mis cámaras estenopeicas o tradicionales, y a disfrutar de la espera. Es una terapia de vida.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara estenopeica. La que he utilizado en esta fotografía es una Holga panorámica con negativo de 120mm. Los negativos resultantes son de 120x60mm, una medida ideal para ampliar. Un trípode estable para exponer unos segundos, minutos… ¡u horas!
  • Configuración cámara: El material fotosensible es el negativo monocromo. Hace la función del sensor y, al mismo tiempo, es el equivalente a un archivo RAW.
  • Focal: El objetivo es el estenopo, un orificio diminuto (unos 0,3mm de diámetro). Si mides la distancia del agujero hasta el plano de película obtienes la focal. En este caso, 40mm.
  • Modo de exposición: Manual. El disparador es una simple palanca que deja libre el paso de luz hacia la película.
  • Modo de medición: Matricial.
  • Apertura: Se calcula según el diámetro del estenopo (orificio) y de la distancia de este orificio al papel. Suelo usar Pinhole Assist (iOS) o Pinhole Calculator (Android). En esta foto la apertura es de f/135.
  • Velocidad: Básicamente la calculé siguiendo unas guías de exposición que suelen venir dadas para una ASA 100. Al ser un día soleado medí la luz con un fotómetro de mano y obtuve una exposición de 8s. Luego, sabiendo que el ASA de la película es de 400 y usando la ley de reciprocidad, expuse a 2s. Si no tienes una guía de exposición siempre puede calcular la exposición con una ASA 100 y diafragma x. Después, con la ayuda PhotoPills de puedes calcular la exposición para f/135. Para ello, utiliza la calculadora de exposición.
  • ISO: El que marca el carrete de negativos.
  • Balance de blancos: No hay, así es que no te preocupes por eso.
  • Dónde enfocar: Con este tipo de cámaras no se enfoca ya que carece de mecanismos. Además con una apertura de f/135 la profundidad de campo es total y sale toda la escena enfocada.

En este caso el estenopo es un orificio de 0,3mm. Teniendo en cuenta que la distancia hasta el plano de la película es de 40mm, la apertura es de 40 / 0,3 = 133,33. Redondeando, f/135.

Después de realizar las fotos, revela los negativos en un tanque de revelado, déjalos secar y positívalos en el laboratorio. Hoy en día puedes sustituir el último paso y escanear los negativos, aunque se pierde un poco la magia del procesado.

Sí, me confieso un romántico de la fotografía tradicional. Me hace disfrutar y desconectar.

Solarigrafía (23)


Lata de cerveza | 80mm | f/320 | 6 meses | ASA 6 (papel fotográfico Ilford)

Imagínate. Si con el revelado de una cámara estenopeica tienes que armarte de paciencia, con las solarigrafías ni te cuento.

En este caso tuve que esperar seis meses. Sí, has leído bien. ¡Seis meses!

Quería capturar el paso del solsticio de invierno al de verano y lo conseguí.

Para colocar correctamente la cámara y poder capturar las trayectorias del Sol, utilicé el Planificador de PhotoPills para saber dónde se ponía exactamente el Sol al inicio de cada solsticio.

Déjame que te explique brevemente en qué consiste esta técnica.

La solarigrafía es una técnica fotográfica en la que solamente usas papel fotográfico y una cámara estenopeica (una lata de galletas, de refresco...) preparada para aguantar mucho tiempo en la intemperie.

El estenopo es un agujero (0,25mm en este caso) realizado con un alfiler sobre un trozo de lata de aluminio y luego pegado con cinta adhesiva a lata.

El revelado se produce porque el Sol quema día a día el papel fotográfico esculpiendo la imagen final.

Una vez hayas acabado la foto, saca el papel del soporte y positívalo en un escáner plano de calidad. Hazlo lo más rápido posible porque la imagen vista en el papel sin revelar es efímera. Si pierdes más tiempo de la cuenta la luz irá impresionando la emulsión y perderás la foto.

No se te ocurra utilizar los químicos propios de un revelado argéntico. Tampoco uses un fijador. Al no haber haluros de plata revelados no hace falta introducir el papel en una cubeta con ese producto.

Si lo hicieras, perderías por completo la foto ¡y el tiempo de espera!

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Lata de cerveza. Papel fotográfico Ilford de ASA 6.
  • Configuración cámara: El material fotosensible es el papel fotográfico. Hace la función del sensor y, al mismo tiempo, es el equivalente a un archivo RAW.
  • Focal: El objetivo es el estenopo, un orificio diminuto (unos 0,25mm de diámetro). Si mides la distancia del agujero hasta el plano de película obtienes la focal. En este caso, 80mm, calculando de nuevo la distancia del estenopo al plano de papel.
  • Modo de exposición: Manual. El obturador es un trozo de cinta adhesiva.
  • Modo de medición: No se puede medir.
  • Apertura: Se calcula según el diámetro del estenopo (orificio). Suelo usar Pinhole Assist (iOS) o Pinhole Calculator (Android). En esta foto la apertura es de f/320.
  • Velocidad: Según lo que quieras mostrar, puedes realizar solarigrafías de un mes, 6 meses o un año. ¡El límite lo pones tú!
  • ISO: El que marca el ASA del papel fotográfico.
  • Balance de blancos: No hay, así es que no te preocupes por eso.
  • Dónde enfocar: Con este tipo de cámaras no se enfoca ya que carece de mecanismos. Además con una apertura de f/320 la profundidad de campo es total y sale toda la escena enfocada.

Lo más impactante de las solarigrafías son lo rastros del Sol que se marcan día a día en el papel.

Si un día está nublado y no se ve el Sol, la línea no se marcará. Observa en la foto los espacios que hay entre líneas: son días nublados.

Debido al soporte circular que utilizo (una lata de cerveza), fíjate como la fotografía resultante es una imagen con apariencia a angular. Esta fotografía está realizada desde el campanario mayor de la catedral de Ciutadella de Menorca.

Fotografía con horquillado (24)


Nikon D700 | 18mm | f/8 | 9 imágenes | ISO 100 | 4500K 

Como vimos en la sección 23, el horquillado (o bracketing en inglés) consiste en hacer una serie de fotografías de diferentes exposiciones de manera que, al fusionarlas con un programa de edición (Lightroom, Photoshop, etc.), obtengas una fotografía con detalle tanto en las sombras como en las luces.

O lo que es lo mismo, con la técnica del horquillado, puedes generar una imagen de alto rango dinámico (high dynamic range o HDR en inglés) en la que cabe el rango dinámico de la escena.

Uno de los grandes inconvenientes del horquillado es que todos los elementos de tu escena deben estar estáticos. Cada toma debe ser idéntica a las demás, exceptuando en lo que se refiere a la exposición.

Como puedes observar en la imagen superior, la escena cumple con los requisitos: tiene un alto rango dinámico y sus elementos están estáticos.

Aquí, la idea es conseguir una imagen con todas las zonas de luz correctamente expuestas. Y gracias al horquillado, este es el resultado.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres una escena general o un teleobjetivo si buscas captar una parte o un detalle. Un intervalómetro. Un trípode y rótula robustos. A veces, dependiendo del apoyo que haga falta puedes utilizar bolsitas rellenas de piedras (bean bags en inglés) que dan mucha estabilidad.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Depende del tipo de foto que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo posible de la escena o un teleobjetivo (85mm, 200mm).
  • Modo de exposición: Manual (M). Aunque también puedes usar uno de los semiautomáticos (A/Av o S/Tv) combinado con la función de horquillado que tienen la mayoría de las cámaras. Esta función te permite, según tu modelo de cámara, hacer un horquillado de 3, 5, 7 o 9 fotos en las que tú defines la diferencia de tercio de pasos, mitades de paso o pasos que haya entre cada una de ellas. Por ejemplo, aunque no es el caso de esta foto, podrías hacer 5 exposiciones de -2EV < -1EV < 0 < +1EV < +2EV.
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara. Este caso fue un poco extremo por la cantidad de zonas de luz existentes. Como es habitual, medí en puntual la luz más brillante con detalle de la escena. Recompuse y sobreexpuse 2 pasos (+2EV). A partir de aquí configuré la cámara para que realizase una exposición según la medición dada y 3 exposiciones subexponiendo 1 paso (-1EV) cada una y tres más sobreexponiendo 1 paso (+1EV) cada una también.
  • Apertura: Desde f/4 hasta f/16. Ten cuidado de no pasar de f/16 para no provocar difracción porque resta enfoque y calidad a la imagen. Aquí con f/8 tenía un profundidad de campo suficiente y una definición muy buena, ya que aprovechaba el punto dulce del objetivo.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad de obturación la determina la combinación apertura-ISO que selecciones. La primera foto la hice a 1/125s. Después fui sobreexponiendo a 1/60s, 1/30s y 1/15s, luego subexponiendo a 1/250s, 1/500s y 1/1000s.
  • ISO: Usa el ISO más bajo posible.
  • Balance de blancos: Manual. Utiliza una tarjeta X-Rite ColorChecker Passport para calibrar la luz y corregir la dominante en el interior de la catedral, que era muy cálida. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

El uso de la técnica del horquillado me garantizó una imagen con todas las luces en su sitio, desde las sombras hasta las vidrieras, pasando por el reflejo de éstas en la pared.

Fotografía de bodegón (25)


Nikon D700 | 85mm | f/3.3 | 1/180s | ISO 200 | 4950K

Tengo que reconocer que la fotografía de bodegones nunca me ha atraído demasiado.

Eso no quiere decir que no disfrute viendo imágenes de bodegones de mi amigo Bosco Mercadal por ejemplo. Me encanta su trabajo artístico.

Otra fotógrafo influyente en la fotografía de naturaleza muerta es el recientemente desaparecido Toni Catany, quien de cualquier objeto inerte hacía arte. Otras fotógrafas que son un referente para mí: Olivia Parker, Suzanne Cummings e Imogen Cunningham.

La imagen que puedes ver es un pequeño homenaje a la fotografía argéntica del siglo pasado. Concretamente hice este bodegón para un cartel de la exposición de la historia del fotoclub del Círculo Artístico de Ciutadella.

Son fotografías de los años 50 que dan vida a una ciudad y te sumergen en el pasado. La hice únicamente con la ayuda de un foco de luz contínua y un reflector, jugando con la profundidad de campo.

¿Qué hace falta para realizar un bodegón?

Pues un objeto, una buena idea y luz. Y, por supuesto, conseguir con esas tres cosas que la idea, tu mensaje, llegue de forma clara al espectador.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres una escena general o un teleobjetivo si buscas captar una abstracción del mismo. Un intervalómetro. Un trípode y rótula robustos.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Teleobjetivo medio (±85mm) o en su defecto una focal fija muy luminosa (apertura máxima de al menos f/2.8). Debido a su nitidez y luminosidad el objetivo 85mm f/1.4 siempre me acompaña en los retratos y fotografía de producto.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara.
  • Apertura: Depende de la idea de foto que tienes en mente. En este caso abrí el diafragma para tener poca profundidad de campo. Necesitaba dar más importancia al efímero paso del tiempo de las fotografías y no a la cámara. Preferí dejarla desenfocada pero suavemente para que el espectador adivine su forma.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad de obturación la determina la combinación apertura-ISO que selecciones.
  • ISO: Usa el mínimo ISO que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Utiliza una tarjeta X-Rite ColorChecker Passport para calibrar la luz y obtener el color real de la piel. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la fotografía más próxima, que da entrada al conjunto desenfocado.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

Conseguir una buena foto de bodegón es un trabajo exigente: la idea y el mensaje tienen que ser originales para que lleguen al espectador.

En esta disciplina, la fotografía se hace, no se toma.

Fotografía infrarroja (26)


Nikon D300Ir | 170mm | f/8 | 1/250s | ISO 200 | 4500K

“Ver la luz es una metáfora para ver lo invisible en lo visible” - Arthur Zajonc

Desde mis inicios con la fotografía infrarroja, allá por el año 2006, siempre he querido experimentar con “ver” aquello que no percibimos. Me gusta mostrar mi entorno de una manera muy diferente al que veo.

El paisaje de este ejemplo concreto parece imaginario provocando sorpresa en el espectador. Lo que parece un paisaje nevado es, en realidad, un conjunto de pastos de hierba verde sobre las formaciones de tierra volcánica de Islandia en pleno mes de agosto.

Para crear imágenes infrarrojas en exteriores siempre busco nubes con volumen que resaltan con el contraste de la escena y hacen que la imagen sea impactante.

Desde hace 8 años uso una cámara convertida a infrarroja, aunque aún conservo algún filtro como el Hoya R72.

La diferencia de usar filtro o usar una cámara convertida es, entre otras cosas, la velocidad. Un filtro infrarrojo es prácticamente opaco. Por lo tanto, si usas un filtro y dependiendo del espectro de infrarrojo que capte y el tipo de filtro de paso bajo de la cámara, la velocidad puede ser de 5-6s hasta más de 1min, haciendo imposible fotografiar a pulso.

Con la cámara convertida hacer fotos es muchos más fácil.

En este caso utilizo un filtro que deja pasar el espectro infrarrojo (720nm aprox.). De esta manera, al no tener que poner ningún elemento delante del objetivo, puedo hacer fotos a pulso.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara convertida a infrarrojo en la que has cambiado de filtro de paso bajo por uno infrarrojo de 720nm. Un objetivo gran angular si quieres un paisaje general o un teleobjetivo si buscas captar una abstracción del mismo.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Depende del tipo de foto que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo posible de la escena o un teleobjetivo (85mm, 200mm).
  • Modo de exposición: Modo Prioridad a la Apertura (A o Av).
  • Modo de medición: El modo de medición en infrarrojo no difiere mucho del general. Pero, en este caso, al obtener una imagen resultante roja en el LCD, sin poder evaluar bien la escena, mide la luz y haz 3 fotos usando un horquillado.
  • Apertura: Desde f/4 hasta f/16. Ten cuidado de no pasar de f/16 para no provocar difracción porque resta enfoque y calidad a la imagen. Es este caso f/8 me da una profundidad de campo amplia y una gran nitidez al ser el punto dulce del objetivo.
  • Velocidad: Al exponer en modo Prioridad a la Apertura (A o Av), la velocidad la determina la cámara en función de la apertura que selecciones.
  • ISO: Usa el mínimo ISO que puedas.
  • Balance de blancos: La fotografía resultante en el LCD es una imagen completamente roja. Calibra el balance de blancos para rebajar ese rojo y poder ver en pantalla unos tonos más marronáceos, evaluando mejor el resultado final.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

En esta fotografía, la combinación de un cielo azul profundo con unas nubes voluminosas, dio lugar a un cielo irreal, con profundidades completamente negras que contrastan con el blanco de la hierba.

En este tipo de fotografía, el motivo es muy importante. Busca verdes, contraste y una composición onírica.

Siempre es necesario revelar las imágenes infrarrojas. En este caso, me decidí por un revelado en blanco y negro.

Fotografía de un eclipse total de sol (27)


Nikon D500 | 750mm | f/8 | 1/8000 | ISO 100 | 7460K

Después de escribir la guía sobre fotografía de eclipse total de Sol, había que ponerla en práctica. Por suerte, estábamos en año de eclipse, uno de los más esperados: el eclipse total de Sol del 21 de agosto de 2017... Todo un acontecimiento mundial, y especialmente mágico en Estados Unidos.

No lo dudamos ni un segundo. Juntamos el equipo de PhotoPills al completo y utilizamos nuestra navaja suiza (PhotoPills) para planificar el eclipse.

De hecho, implementamos una herramienta en PhotoPills específica para planificar eclipses. En este vídeo el Bardo te enseña cómo planificar un eclipse de Sol: Cómo planificar el eclipse total de Sol del 21 de Agosto de 2017.

Una vez planificado, compramos los billetes de avión... ¡Una nueva aventura PhotoPiller nos esperaba!

Fotografiar el eclipse total de Sol del 21 de agosto de 2017 en Portland (Oregón, EEUU) ha sido una de las experiencias fotográficas que más me ha llenado. Fue alucinante poder vivir un momento tan espectacular como este. Y también fue un reto conseguir todas y cada una de las fotografías de que consta las fases de un eclipse total de Sol.

Además, disfruté captando ese momento en pleno contacto con la naturaleza.

Para este tipo de fotos, es necesario estar muy concentrado y conocer previamente las fases de un eclipse total de Sol. El anillo de diamantes, las perlas de Baily, cromosfera y la corona solar son momentos diferentes que se producen justo antes o durante la totalidad del eclipse.

Los cambios de luz son espectaculares y eso te obliga a usar un tiempo de exposición desde 1/4000s hasta 1-2s si quieres captar desde la tenue luz rojiza de la cromosfera hasta la Luna tapando el Sol.

Decidí que cuando la Luna empezara a ocultar el Sol haría horquillados de 9 fotos con diferentes exposiciones base. De esta forma podría cubrir todo el rango dinámico necesario para conseguir una imagen legendaria.

He elegido este ejemplo para explicarte cómo hice una de las fotos más impactantes: las perlas de Baily, sobretodo por la atmósfera que recrea. Cuando la luz del Sol entra en contacto con los cráteres de la Luna forma unos haces de luz que combinan perfectamente con las protuberancias cálidas del Sol.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tipo de sensor, aunque te aconsejo una con sensor APS-C o Micro 4/3 por la amplificación que consigues usando un teleobjetivo). Un teleobjetivo o un superteleobjetivo. Un trípode y una rótula robustos así como un intervalómetro.
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen de tu objetivo si tiene esta función.
  • Focal: Distancia focal grande (300mm, 450mm, 600mm, etc.) para abarcar el área del cielo en la que estén situados el Sol y la Luna y conseguir que ocupen la mayor parte de encuadre.
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara. Esta es la teoría pero en en esta ocasión y para no arriesgarme a perder el momento (¡y la foto!) hice varios horquillados.
  • Apertura: Usa una apertura relativamente pequeña para conseguir que los astros salgan perfectamente enfocados. Aquí, al ser un primer plano, la profundidad de campo no es crítica. En este caso use f/8 para obtener el máximo detalle de la cromosfera.
  • Velocidad: La velocidad más rápida que permita tu cámara, respetando el triángulo de exposición. La Luna se mueve más rápido de lo que parece y apenas dispones de unos segundos para capturar las perlas de Baily y la coloración rojiza alrededor del Sol consecuencia de la emisión de hidrógeno.
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición. En esta foto opté por un balance de blancos cálido (7460K) para captar los colores de la cromosfera.
  • Dónde enfocar: Lo primero que tienes que hacer es poner el filtro solar en tu objetivo (¡esto es fundamental si no quieres que el Sol achicharre el sensor!). Enfoca al borde del Sol. Usa la herramienta Live View en la pantalla LCD de tu cámara para asegurarte de que el Sol está perfectamente enfocado.

La técnica para conseguir esta imagen es la siguiente.

Nada más montar la cámara en el trípode, pon el filtro solar en tu objetivo. Después, enfoca el Sol tal y como te acabo de explicar (usando la pantalla LCD). El enfoque es clave. ¡Comprueba que has enfocado correctamente!

Unos segundos antes de que empiece la totalidad, quita el filtro solar poder captar todos los detalles del eclipse. Para asegurarte de que tus fotos están correctamente expuestas, haz series de horquillados con diferentes exposiciones base y que abarquen el máximo rango dinámico posible.

Son fotos que requieren práctica, concentración y rapidez a la hora de actuar. Pero los resultados son tan espectaculares y un eclipse total de Sol es tan poco frecuente que todos los esfuerzos merecen la pena.

Barrido (panning en inglés) (28)


Nikon D700 | 120mm | f/22 | 1/125s | ISO 200 | 6100K

Hice esta foto durante una sesión práctica con unos alumnos mientras se celebraba un rally en Menorca.

Uno de los ejercicios era realizar un barrido (panning en inglés). Consiste disparar usando una velocidad relativamente lenta mientras sigues con la cámara al sujeto a lo largo de su trayectoria. En este caso, al coche de derecha a izquierda.

Como puedes comprobar, el coche aparece congelado y el fondo y/o primer plano movidos.

Para obtener una buena imagen necesitas paciencia y mucha práctica. Además, tienes que medir bien la velocidad que vas a usar: no puede ser demasiada rápida. Si así fuera, congelarías toda la escena y tu foto no transmitiría la sensación de movimiento.

Dependiendo del elemento que quieras fotografiar (persona corriendo, bicicleta, moto, coche...), te recomiendo ir probando con diferentes velocidades. Siempre por debajo de aquella con la que congelarías a tu sujeto.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres una escena general o un teleobjetivo si buscas captar un detalle de la misma o un plano más cerrado.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Depende del tipo de foto que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo posible de la escena o un teleobjetivo (85mm, 200mm) si quieres aislar al sujeto del fondo.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara.
  • Apertura: En este tipo de foto predomina la velocidad así es que la apertura es lo último que determinas, aplicando la ley de reciprocidad. En este caso usé f/22. No soy fan de aperturas tan pequeñas, pero la hora y la luz reinante me obligaron a cerrarlo para conseguir una velocidad más lenta.
  • Velocidad: Al exponer en modo Manual (M), la velocidad la determina la combinación apertura-ISO que selecciones. Aquí entra en juego tu criterio según quieras mostrar más o menos movimiento. En este caso, la calculadora de exposición de PhotoPills me indicó una velocidad de 1/125s.
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca siempre a tu sujeto, el vehículo en este caso, con el enfoque continuo (AF-C) para asegurarte de que aparece nítido en la foto.
  • Haz la foto y revisa que todo esté enfocado. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

En este tipo de fotografías lo más importante son tus movimientos. Sigue el coche desde lejos y dispara cuando pase por el sitio en que te encuentras. Asegúrate de que sea lo más perpendicular a tu posición, para evitar zonas desenfocadas en el sujeto.

Enseñando el movimiento (29)


Nikon D700 | 500mm | f/5.6 | 0,7s | ISO 200 | 5700K | Filtro ND4 (2 pasos)

Al igual que el barrido, esta técnica necesita de paciencia y práctica.

Te aconsejo que uses por lo menos un teleobjetivo medio para tener una distancia focal larga. Durante la captura, usa una velocidad lenta y un ligero movimiento durante el disparo. Lo ideal es que sea un movimiento continuo de abajo a arriba o de lado.

No hay nada mejor que los troncos de unos árboles o un cañaveral para practicar este tipo de fotografías.

La idea se me ocurrió cuando había montado mi 500mm sobre la rótula gimbal y me disponía a fotografiar aves cerca del torrente de La Vall en Menorca. Conociendo la fluidez de este tipo de rótulas y su estabilidad, se me ocurrió realizar un movimiento vertical encuadrando al cañaveral mientras el obturador permanecía abierto.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor). Un objetivo gran angular si quieres un paisaje general o un teleobjetivo si buscas captar una abstracción del mismo o un plano más corto.
  • Configuración cámara: En RAW.
  • Focal: Depende del tipo de paisaje que quieras hacer. Puedes usar desde una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible hasta un teleobjetivo o superteleobjetivo, como en esta ocasión (500mm para aplanar la perspectiva y aislar la zona que más me gustaba).
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: Modo puntual. Mide la zona más brillante de la escena que quieres con detalle y sobreexpón en 1 o 2 pasos de luz (+1EV o +2EV). Después, reencuadra, enfoca y dispara. No obstante, aquí utilicé la medición ponderada en el centro al no haber mucha variación en la luz.
  • Apertura: Depende de la profundidad de campo que quieras. Como no quería que fuera muy grande opté por usar una apertura de f/5.6. De esta manera las zonas lejanas aparecen un poco difuminadas en los trazos debido al desenfoque.
  • Velocidad: Relativamente lenta, usa 0,5s como referencia y utiliza el “prueba y error”. En este caso usé 0,7s. Con una velocidad tan lenta me dió tiempo de accionar el disparador y hacer el movimiento de abajo a arriba que quería.
  • ISO: Usa el ISO más bajo que puedas.
  • Balance de blancos: Manual. Depende de la hora del día y de la calidad de la luz. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca en los elementos más cercanos a tu objetivo. Aquí en las primeras ramas.
  • Haz la foto y revisa que todo esté a tu gusto ya que, según lo que desenfoques o los movimientos que hagas, los efectos se verán o no en el resultado final. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta la exposición.

No te recomiendo disparar (eso inicia la exposición) y hacer el movimiento simultáneamente. Dispara primero y luego haz el movimiento.

Aguanta un instante para que luego los detalles se vean mejor. Por ejemplo, si quieres hacer una foto de 1s, espera 1/4s y después empieza el movimiento hacia arriba.

Light painting con lana de acero (30)


Nikon D4s | 14mm | f/2.8 | 8s (26min de tiempo total de exposición) | ISO 1600 | 3200K | 196 fotos editadas en Lightroom y apiladas con StarStaX

Si lo puedes complicar, ¿por qué hacerlo fácil?

Eso fue lo que pensamos al idear esta fotografía. Quisimos juntar los rastros de estrellas con el espectáculo de fuego que da la lana de acero. Eso sí, ¡en un sitio donde no hubiera peligro de incendio!

Primero hice la foto de la lana de acero (14mm | f/2.8 | 11s | ISO 1600 | 3200K). Germán estaba situado tras la barraca haciendo saltar las chispas de la lana de acero ardiendo.

Al terminar la toma de la lana de acero, usé el intervalómetro con los parámetros que ves en el pie de foto y pulsé el botón de inicio. Con las 195 fotos siguientes conseguí captar los rastros de estrellas.

En resumen, los pasos a seguir para hacer la foto son:

  • Equipo: Cámara (no importa el tamaño del sensor), objetivo gran angular, intervalómetro, trípode y rótula robustos, linternas, LEDs y sistemas anti humedad (echa un vistazo al equipo para rastro de estrellas)
  • Configuración cámara: En RAW. Desactiva la función de estabilización de imagen.
  • Focal: Una focal pequeña (10mm, 14mm, 24mm, etc.) para abarcar el máximo de paisaje y de cielo posible. Desactiva también la reducción de ruido para largas exposiciones, si tu cámara tiene esta función. La reducción se aplica el mismo tiempo que la duración de la fotografía, así que en una imagen de 20s, en la mayoría de las cámaras tendrás que esperar otros 20s para que la cámara procese la imagen intentando eliminar ruido.
  • Modo de exposición: Manual (M).
  • Modo de medición: No midas la luz. En su lugar, determina la exposición haciendo fotos de prueba y revisando el histograma para comprobar que la exposición es la adecuada. Puedes hacer los cálculos de reciprocidad con la calculadora de exposición de PhotoPills.
  • Apertura: Utiliza la apertura más abierta de tu objetivo (f/2.8 por ejemplo) para capturar muchas estrellas.
  • Velocidad: Depende de cómo quieras la fotografía final. Puedes hacer fotos utilizando la regla NPF o la regla de los 500 para tener las estrellas como puntos o bien utilizar velocidades más lentas si te da igual que las estrellas muestren movimiento (15s o más). Al final, vas a utilizar un programa para apilar las fotos y conseguir la imagen final de rastros de estrellas. Puedes usar la calculadora de rastros de estrellas de PhotoPills para calcular el tiempo de exposición total que necesitas para obtener una determinada longitud de los rastros de estrellas.
  • ISO: Si realizas múltiples exposiciones para obtener una determinada longitud de rastros de estrellas, son la velocidad y el ruido los que establecen los valores de apertura e ISO que puedes utilizar. El mayor problema que tienes es el ruido. Por lo tanto, mantén el ISO entre 400 y 1600, dependiendo de la cantidad de luz con la que trabajes. Si deseas capturar el color de las estrellas, no pases de ISO 1600. De esta forma conservarás los colores de las estrellas. Como sólo te interesa sumar luz de las estrellas, usa un ISO bajo para captar solamente el punto de luz de las estrellas.
  • Balance de blancos: Manual. Empieza con 3900K si no hay contaminación lumínica y 3400K si la hay, y después ve ajustando según el resultado. Aunque siempre lo puedes corregir en la edición.
  • Dónde enfocar: Enfoca a la distancia hiperfocal para maximizar la profundidad de campo.
  • Iluminación: La iluminación del primer plano está conseguida con la luz de la lana de acero.
  • Cuando estés a punto de empezar a captar los rastros de estrellas, revisa que todo esté enfocado en la primera foto. Haz todas las pruebas al principio ya que, una vez que hayas empezado la sesión no podrás cambiar nada. Asegúrate de que la foto esté correctamente expuesta (revisa el histograma). En caso contrario, ajusta el ISO en consecuencia.

25Los 12 errores que debes evitar al exponer

La única manera de mejorar es hacer fotos y cometer errores. De los errores se aprende mucho. Por eso te dejo aquí una lista de los más comunes que cometen los alumnos en mis cursos (y que yo mismo también cometí).

Tus fotos no tienen la profundidad de campo que quieres (1)

La apertura no sólo te permite controlar la cantidad de luz que pasa por el objetivo, también te sirve para controlar la profundidad de campo (PdC).

¿Quieres que la mayor parte de tu foto salga desenfocada? Abre bastante el diafragma (usa un número f bajo, como f/2.8 o f/3.5 por ejemplo).

Al revés, ¿quieres que la mayor parte de tu imagen quede enfocada? Cierra bastante el diafragma (usa un número f alto, como f/8 o f/11 por ejemplo).

Y si quieres llevar tu foto al extremo y que todos los elementos estén enfocados, enfoca a la distancia hiperfocal.

Una vez hecho esto, enfoca de nuevo y asegúrate de que estás enfocando a una distancia ligeramente superior a la hiperfocal. Pásate 0,5m o 1m. Sobre todo, asegúrate de que no estás enfocando a una distancia inferior a la distancia hiperfocal.

Aprende cómo enfocar a la distancia hiperfocal leyendo esta explicación o a través de este vídeo.

No sabes si tu foto está desenfocada, trepidada o movida (2)

Una foto desenfocada es una imagen en la que el enfoque no está donde debería o donde tú querías. La única solución es aprender a enfocar correctamente. Si la foto está desenfocada, es casi imposible que la puedas “arreglar”.

Una foto trepidada se produce cuando disparas a una velocidad excesivamente lenta y el propio movimiento de la cámara hace que aparezca un ligero movimiento que le resta nitidez. El resultado es una foto borrosa. Para solucionar este problema, sólo tienes que incrementar la velocidad de obturación o usar un trípode.

Por regla general, no tendrás una foto trepidada si disparas a una velocidad equivalente a 1s dividido por la distancia focal utilizada.

También te puede quedar trepidada si estás disparando entre 1/15s y 1s sobre un trípode con un teleobjetivo. En este caso lo recomendable es levantar el espejo (si no estás usando una cámara sin espejo).

Finalmente, una foto también puede quedar movida. Esto normalmente ocurre cuando estás disparando en movimiento o durante una larga exposición si el trípode no está bien estabilizado.

Por ejemplo, si estás en un vehículo en marcha y no utilizas una velocidad de obturación lo suficientemente rápida, tu cámara no podrá congelar la escena, por lo que te quedará movida. En este caso la solución sería utilizar una velocidad más rápida.

Otro ejemplo sería una fotografía nocturna o una larga exposición con filtros. Si no has fijado bien el trípode en el terreno, éste se podría ir hundiendo a medida que se está haciendo la foto, provocando que la foto no quede nítida. También puede ser que no hayas apretado bien la rótula, y que la cámara se haya ido moviendo hacia abajo a medida que está exponiendo.

En ambos casos la solución es asegurarse que el trípode está bien estable en el terreno apretándolo hacia el suelo y asegurarse que la rótula está bien apretada.

Tus fotos salen movidas o trepidadas (3)

Tus fotos pueden salir movidas o trepidadas por varios motivos.

Quieres congelar el movimiento pero has usado una velocidad de obturación demasiado lenta. Usa una velocidad más rápida. Y si estás disparando en Manual (M), acuérdate de ajustar la apertura y el ISO para conseguir la misma exposición.

Quieres hacer una larga exposición, dejando parte de los elementos de tu encuadre estáticos y otros en movimiento. Si tu foto está movida es porque tu cámara y tu objetivo han vibrado durante la toma.

Asegúrate de evitar estas vibraciones:

  • Usa un trípode robusto que aguante el peso de tu equipo. Asegúrate de que está en una posición estable y no está en contacto que nada que pueda hacerlo vibrar.
  • Desactiva el sistema de estabilización de tu objetivo. Estás usando un trípode por lo que no necesitas esta herramienta. Cuando el objetivo no vibra, puede intentar corregir movimientos inexistentes generando el efecto contrario.
  • Usa un disparador externo (de cable o remoto), un intervalómetro o la función de retardar tu disparador. Evita tocar tu cámara ya que tu dedo causará una vibración.

Tu foto tiene mucho ruido (4)

En general, si tu foto tiene mucho ruido es porque has usado un ISO muy alto. Para evitar ese ruido deberás reducir el valor del ISO, dejando que llegue más luz al sensor.

Al hacerlo, recuerda que debes sacrificar algo a cambio:

  • O bien abres el diafragma para incrementar la apertura.
  • O bien aumentas el tiempo de exposición, para que el obturador esté más tiempo abierto.

Usas el ISO automático (5)

El problema del ISO automático es que permites a tu cámara que sea ella la que lo determine. El riesgo que corres es que seleccione un ISO excesivamente alto y tu foto tenga (mucho) ruido.

Por regla general, e independientemente del modelo de cámara que tengas, usa el ISO más bajo posible que puedas.

Si tienes una cámara de gama media o alta, el ISO automático puede serte de gran ayuda siempre y cuando fijes un intervalo. Si tu cámara genera ruido a partir de ISO 1600 por ejemplo, establece un rango de ISO automático entre 100 y 1600.

A partir de ahí, puedes jugar con la apertura y la velocidad sabiendo que será la cámara quien determine el ISO, sin ir más allá de 1600.

Tus fotos salen demasiado oscuras (subexpuestas) (6)

Eso es porque no has dejado que llegue la suficiente luz al sensor.

Puedes solucionarlo de varias formas:

  • Selecciona una apertura mayor si quieres controlar el movimiento (lo que significa que no quieres variar la velocidad).
  • Selecciona una velocidad más lenta si quieres controlar la profundidad de campo (lo que significa que no quieres variar la apertura).
  • Incrementa el ISO (¡pero cuidado con el ruido!).
  • Usa la herramienta de compensación de exposición (±EV) desplazando la barra hacia la derecha (escala en positivo) si no estás disparando en Manual (M).

Tus fotos salen demasiado claras (sobreexpuestas) (7)

En este caso ha llegado demasiada luz al sensor.

Puedes solucionarlo de varias formas:

  • Selecciona una apertura menor si quieres controlar el movimiento (lo que significa que no quieres variar la velocidad).
  • Selecciona una velocidad más rápida si quieres controlar la profundidad de campo (lo que significa que no quieres variar la apertura).
  • Reduce el ISO.
  • Usa la herramienta de compensación de exposición (±EV) desplazando el indicador hacia la izquierda (escala en negativo) si no estás disparando en Manual (M).

Tienes tu cámara configurada con el modo de medición equivocado (8)

Y eso te lleva a una foto expuesta incorrectamente.

Seguramente es porque estás utilizando el modo de medición matricial. Este modo es exacto en muchas ocasiones, pero no en todas.

Usa la medición puntual. Es mucho más precisa.

Dependiendo de la cámara, puede que sea una área circular muy pequeña justo en el centro del encuadre o el punto de enfoque seleccionado.

Estás compensando la exposición incorrectamente (9)

Cuando dispares en uno de los dos modos semiautomáticos, ya sea en Prioridad a la Apertura (A o Av) o en Prioridad a la Velocidad (S o Tv), la mejor forma de corregir la exposición es compensándola.

Si una vez compensada, la imagen resultante sale:

  • Demasiado oscura (subexpuesta), desplaza el indicador de la compensación de exposición (±EV) hacia el +1. Observa el histograma de la nueva foto y valora si es necesario realizar otra toma a +2, +3, +4, etc.
  • Demasiado clara (sobreexpuesta), desplaza el indicador de la compensación de exposición (±EV) hacia el -1. Observa el histograma de la nueva foto y valora si es necesario realizar otra toma a -2, -3, -4, etc.

No sales del balance de blancos automático (10)

Al mantener el balance de blancos automático, tarde o temprano te enfrentarás con una situación en la que tu cámara no ha sabido captar correctamente los colores de tu escena.

  • Si los colores de tu foto son cálidos (hay una dominante de rojos, naranjas y amarillos), enfría los colores reduciendo la temperatura de color (selecciona un número Kelvin menor).
  • Si los colores de tu foto son fríos (hay una dominante de morados, azules y verdes), calienta los colores aumentando la temperatura de color (selecciona un número Kelvin mayor).

El blanco y/o el negro de tus fotos sale gris (11)

La mayoría de las veces este problema es fruto de una medición errónea de la luz. El fotómetro de tu cámara sugiere valores de exposición correctos cuando el elemento sobre el que mides la luz es de un tono gris neutro (refleja el 18% de la luz que recibe).

Muchas veces será difícil que encuentres un elemento con un tono gris neutro sobre el que medir la luz en la escena que vas a fotografiar. Usa una cartulina de color gris que refleje exactamente el 18% de luz y te asegurarás de que en tus fotos los blancos y negros tienen el color correcto.

  • Usa el modo de medición puntual.
  • Mide la luz sobre una tarjeta de gris neutro que reciba la misma luz que el sujeto que estás fotografiando.

Te fías ciegamente de la pantalla LCD a la hora de exponer (12)

No confíes en la imagen que muestra la pantalla LCD de tu cámara para determinar la exposición.

Aunque dispares en RAW (cosa que deberías hacer ya, si no lo haces) tu cámara es incapaz de mostrar el histograma de un archivo RAW. En realidad, tu cámara muestra el histograma del archivo revelado JPG que está incrustado en tu archivo RAW.

Usa siempre el histograma. Es la herramienta más fiable para exponer tu escena.

2610 fotógrafos alucinantes para inspirarte y aprender a exponer

No será la primera vez, ni mucho menos la última que te recomiende seguir el trabajo de grandísimos fotógrafos. Es, sin duda alguna, la mejor forma de inspirarte, experimentar y, sobre todo evolucionar aprendiendo.

Así es que cada vez que te encuentres con una foto que te entusiasma o, sencillamente, te deja con la boca abierta, dedícale unos minutos. Obsérvala detenidamente y analízala en detalle.

Prueba a hacerte las siguientes preguntas:

  • ¿Qué historia cuenta?
  • ¿Qué elementos incluye?
  • ¿Cómo es la composición?
  • ¿Dónde ha enfocado el fotógrafo?
  • ¿Cuál es el tono clave? ¿Cómo midió la luz?
  • ¿Qué método de exposición utilizó?
  • ¿Qué parámetros utilizó (apertura, velocidad, ISO)?
  • ¿Cómo se ha revelado y procesado?

Si lo haces, verás cómo poco a poco te irán surgiendo ideas y multiplicarás tus posibilidades de sacar fotos espectaculares.

Si no sabes por dónde empezar, aquí tienes una lista con algunos de mis fotógrafos favoritos. Todos ellos son auténticos maestros.

Y si se te ocurre algún otro fotógrafo ¡no dejes de compartirlo en los comentarios al final de este artículo!

José B. Ruiz (1)

Sencillamente el fotógrafo de naturaleza español más reconocido de todos los tiempos. José Benito Ruiz ha ganado (y también ha participado como jurado) varios concursos internacionales como The Wildlife Photographer of the Year o el Golden Turtle.

Sus fotografías han sido publicadas en más de 40 países a través de las agencias más prestigiosas (Planet Earth Pictures, Oxford Scientific Films and Nature Picture Library) en pro de la conservación de la naturaleza.

Dedicado naturalista y autor de más de 10 libros sobre fotografía y la vida silvestre, cuando José no está escribiendo (o haciendo fotos por ahí), está enseñando el arte de la fotografía a los demás.

Michael Shainblum (2)

Come. Crea. ¡Duerme! Michael Shainblum lleva creando arte profesionalmente desde los 16 años. Y esto es todo lo que anhela: crear arte.

Bueno, también le encanta jugar con sus Legos, ¿verdad Michael?

Sus asombrosas fotografías y timelapses le han otorgado fama internacional. Su trabajo ha sido publicado en National Geographic, Wired Magazine, Huffington Post y The Weather Channel entre otros. Ha trabajado para Disney, Google y Nike entre otras marcas. Y con más de 496.000 seguidores en Instagram, sigue inspirando al mundo todos los días.

Trey Ratcliff (3)

El trabajo de Trey Ratcliff empezó a ser popular cuando el Smithsonian Institute colgó una de sus fotos en sus paredes. Su particular forma de ejecutar el horquillado y, sobre todo, de revelar y procesar sus imágenes (suele usar la técnica de HDR, high dynamic range en inglés) le han dotado de un estilo inconfundible.

Además, su pasión por viajar le ha llevado a los destinos más recónditos del planeta. Es, como él mismo se define, un “explorador y caballero de la vieja escuela con muchos juguetes”. Desde luego, no le falta sentido del humor.

Su experiencia, su forma de entender la fotografía y su sencillez le han convertido en un fotógrafo tremendamente popular y de éxito.

Rafa Irusta (4)

Para Rafa Irusta la fotografía es una manera de transmitir sensaciones, teniendo en cuenta que la naturaleza le emociona profundamente. Su objetivo principal es documentar la belleza del entorno natural, siempre con la intención de que el espectador tome conciencia de la importancia de conservarlo.

Gracias a un estilo muy purista con el que trata de conseguir imágenes de gran realismo y belleza, Rafa usa la naturaleza como fuente de inspiración. Esto le permite capturar multitud de escenas fascinantes, jugando con las luces y los colores.

Donal Boyd (5)

Donal Boyd lleva más de 10 años vinculado al mundo de la fotografía. Primero como aficionado y desde 2015 como profesional. Ese año decidió seguir su corazón, abandonar su trabajo y trasladarse a Islandia para gestionar su negocio como fotógrafo profesional y formador.

Su dominio de la luz, junto con un amplio conocimiento de PhotoPills, le permiten conseguir imágenes impactantes de naturaleza, su disciplina favorita. En su galería de imágenes verás que tiene interés tanto por el paisaje como por la fauna. ¡Ah! ¡Y tiene un dron!

Albert Dros (6)

Premiado en múltiples ocasiones, su trabajo ha sido publicado nada más y nada menos que en Time, Huffington Post, Daily Mail y National Geographic.

Cinco minutos hablando con Albert Dros son más que suficientes para darte cuenta de que es adicto a la fotografía de paisaje y a capturar la belleza del mundo. De hecho, diría que está obsesionado.

Su objetivo: capturar lugares de la mejor manera posible. Su método: planificar cada detalle para lograr las fotos que ha creado en su mente. Imagina. Planifica. ¡Dispara!

Samuel Aranda (7)

Samuel Aranda es uno de los fotoperiodistas españoles más prestigioso y reconocido. Además del World Press Photo (2012), ha recibido múltiples galardones, como el Premio Nacional de Fotografía en España (2006), el Nikon Photography (2015) y más recientemente el Premio Ortega y Gasset (2016).

Lleva más 15 años fotografiando conflictos, inmigración y problemas sociales alrededor de todo el mundo. Su trabajo se ha publicado en National Geographic, The New York Times, Le Monde o El País por poner algunos ejemplos.

Desarrolla gran parte de su obra en blanco y negro, generalmente muy dramático, buscando representar con el máximo realismo posible lo que perciben sus ojos.

Bencé Maté (8)

Es, sin duda alguna, uno de los fotógrafos de naturaleza más galardonado en la actualidad. Bencé Maté comienza a interesarse por esta disciplina con 14 años, cosechando muy pronto su primer éxito: en 2002 gana el Young Nature Photographer of the Year de la BBC.

En 2005 y 2007 gana el premio Eric Hosking. Ha sido 5 veces Young Nature Photographer of the Year en Hungría, su país natal. Al año siguiente consigue el Nature Photographer of the Year de naturArt (Asociación de Fotógrafos de Naturaleza Húngaros).

Su especialidad es la fotografía de aves, gracias a la que se gana la vida como profesional desde 2004. Sus imágenes se caracterizan por una tremenda originalidad que consigue fabricando sus propios equipos y refugios.

Ian Norman (9)

Si te gusta fotografiar la Vía Láctea, seguro que conoces Lonely Speck, uno de los blogs más famosos en internet con los que aprender astrofotografía.

A través de Lonely Speck, Ian Norman y su mujer Diana Southern inspiran a miles y miles de fotógrafos a tomar la iniciativa, salir de casa y fotografiar el cielo por la noche. Ellos me han inspirado en más de una ocasión a planificar fotos que nunca hubiera imaginado posible.

Si alguna vez te has preguntado cómo conseguir esas imágenes increíbles de la Vía Láctea y rastros de estrellas o si dudas sobre qué equipo, técnicas y edición posterior son las mejores para ese tipo de fotos, el blog de Ian se convertirá en una interminable fuente de información a la que volverás una y otra vez...

Marina Cano (10)

La fotografía de fauna salvaje cautivó a Marina Cano cuando sólo tenía 15 años. Sus imágenes reflejan sensibilidad, pasión, perseverancia, creatividad, sentido de la estética, y sobre todo un amor incondicional por los animales.

Una gran parte de su trabajo se desarrolla en el continente africano, al que ella llama “su parque, su pequeña África”. Pero para Marina fotografiar la naturaleza se ha convertido en algo más que una pasión. Su objetivo ahora es hacer lo posible por protegerlos despertando el interés y la curiosidad del espectador: educar en la conservación.

Inspírate de otros PhotoPillers (11)

¡Ah! Otra fuente de inspiración son las fotografías de otros PhotoPillers que destacamos diariamente en los PhotoPills Awards.

Puedes acceder a todas las fotos desde el botón “Awards” que encontrarás en el menú “Mi Material” de PhotoPills (o en nuestra cuenta de Instagram).

Y, por supuesto, también puedes compartir las tuyas e inspirar al resto de la tribu.

27Ha llegado tu momento...

“La acción es la llave fundamental de todo éxito” - Pablo Picasso

¿Sigues vivo?

Si estás aquí, leyendo estas palabras... ¡Felicidades!

Has conseguido llegar sano y salvo a la última pantalla del famoso videojuego “Exposición Perfecta”, y estás a punto de rescatar a la princesa.

¡Tan sólo te queda poner en práctica lo que has aprendido!

Reconozco que la partida no ha sido fácil. Has tenido que acabar con innumerables villanos. Todos ellos terroríficos.

Y con nombres igualmente aterradores... ¿Los recuerdas?

“Triángulo de exposición, rango dinámico, valor de exposición, modo de medición, modo de exposición, histograma, exposímetro..."

Lo sé... No ha sido fácil llegar hasta aquí.

No te preocupes, ¡es normal!

Como sucede en todos los videojuegos, la dificultad ha ido incrementando conforme pasabas de nivel.

Pero lo más importante es que no te has rendido, que has seguido leyendo, que has ido superando todos los obstáculos... Has seguido jugando.

Y ahora, al fin, tu dominio de la luz y, por tanto, de la exposición, es total.

Tu capacidad para hacer realidad fotografías verdaderamente legendarias es infinita.

Tan sólo queda demostrarlo sobre el terreno, ha llegado el momento que tanto esperabas... Tu momento.

Así que apaga el ordenador y coge la cámara. Pasa de la teoría a la práctica, de la ficción a la realidad.

Ya sabes, el mundo se divide en dos categorías... Los que saben exponer y los que no.

Sólo tienes que decidir a qué categoría quieres pertenecer.

Así que da rienda suelta a tu creatividad y pon en práctica todo lo que sabes.

Por muy loca que parezca una idea ¡llévala a cabo!

Y si no te sale a la primera, vuelve a consultar esta guía, aprende lo que haga falta e inténtalo de nuevo.

Practica, practica y sigue practicando.

No desesperes ni te dejes llevar por la frustración. Al final, si no te rindes, tu esfuerzo se verá recompensado. Estoy seguro que conseguirás hacer realidad las fotos con las que sueñas.

Además, no estás solo en esta partida. Ya sabes que puedes contar conmigo y con el resto del equipo de PhotoPills para lo que necesites.

¡Los PhotoPillers estamos para ayudarnos los unos a los otros!

Así es que no importa la pregunta que tengas, si necesitas ayuda, escribe un comentario al final de estas líneas, y te responderemos lo antes posible.

¡Sueña, actúa, crea!

Antoni Cladera es un fotógrafo de naturaleza comprometido con el medio ambiente. Artista de la Confederación Española de Fotografía y miembro de la Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza (AEFONA). Forma parte del equipo de PhotoPills.

Agradecemos especialmente a Sandra Vallaure, gran fotógrafa y amiga, por compartir su sabiduría con nosotros y ayudarnos a hacer posible este artículo.

Nota: Algunos enlaces de este artículo son enlaces de afiliados. ¿Qué quiere decir esto? Que si compras mediante estos enlaces nos estás ayudando económicamente sin costarte nada extra. Gracias por tu apoyo.

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